Matthias Goerne Sings Mahler at the Proms / Matthias Goerne chante Mahler aux BBC Prom

The great German baritone Matthias Goerne recently gave a recital in Toronto. I didn't hear it but by all accounts - including Arthur Kaptainis' review in the National Post - it was a memorable occasion. I last heard him singing Mahler in Hong Kong and treasure his many fine recordings. He has recorded Schubert with the likes of Alfred Brendel and Christoph Eschenbach, and this fall he will sing the title role in a Paris production of Hindemith's opera Mathis der Maler with Eschenbach conducting.

This video was made at the Proms in 2009 and features an excerpt from Mahler's Kindertotenlieder with Jonathan Nott conducting the Gustav Mahler Youth Orchestra. Nott is a British conductor who has been doing fine work on records and in concert with the Bamberg Symphony.

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Le grand baryton britannique Matthias Goerne a récemment donné un concert à Toronto. Je n’étais pas au concert, mais selon l’avis général (et la critique d’Arthur Kaptainis dans le National Post) c’était un concert mémorable. La dernière fois que j’ai entendu chanter Mahler, c’était à Hong Kong et j’attache une grande valeur à ses nombreux enregistrements. Il a enregistré la musique de Schubert avec Alfred Brendel et Christoph Eschenbach. Cet automne, il interprétera le rôle-titre dans la production parisienne de Mathis le peintre de Hindesmith sous la baguette de Christoph Eschenbach. 

Ce vidéoclip a été enregistré  aux BBC Proms 2009 et met en vedette un extrait des Kindertotenlieder de Mahler avec Jonathan Nott qui dirige le Gustav Mahler Youth Orchestra. Jonathan Nott est un chef d’orchestre britannique qui dirige avec brio l’Orchestre symphonique de Bamberg en concert et en studio. 

- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

Riccardo Chailly on his way to Boston? / Riccardo Chailly à Boston?

The natives are getting restless in Boston as James Levine continues to cancel concerts due to one illness or another. The celebrated conductor of the Met and the Boston Symphony has been missing in action more than he has been on the podium during the past few seasons. The Met has been able to fill in admirably with a variety of guest conductors, and especially with the announcement that Fabio Luisi has been appointed principal guest conductor. But in Boston the orchestra feels the need for a resident music director and Levine is no longer able to fill that role.


Norman Lebrecht has written that Riccardo Chailly has been approached about taking over in Boston. In Lebrecht's view this would be a huge coup for the Boston Symphony to get a conductor of Chailly's stature. He was music director of the Royal Concertgebouw Orchestra and now heads the Leipzig Gewandhaus Orchestra. Here he is with his Leipzig forces and pianist Martha Argerich in the opening pages of the Schumann Piano Concerto.

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Les gens s’impatientent à Boston à mesure que James Levine annule des concerts en raison de ses problèmes de santé. Le célèbre chef d’orchestre du Met et de l’Orchestre symphonique de Boston a manqué plus de concerts qu’il y en a donné au cours des dernières années. L’orchestre du Metropolitain Opera a pu le remplacer admirablement par une variété de chefs invités et surtout par Fabio Luisi qui a été nommé premier chef invité. Mais à Boston, l’Orchestre estime nécessaire d’avoir un directeur musical attitré et James Levine ne peut plus remplir ces fonctions.

Selon Norman Lebrecht, on a offert le poste de chef d’orchestre à Boston à Riccardo Chailley. Ce serait un gros coup pour l’Orchestre symphonique de Boston d’avoir un chef d’orchestre de la réputation de Riccardo Chailley selon M. Lebrecht. Riccardo Chailley était directeur musical de l’Orchestre royal du Concertgebouw et il dirige actuellement l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig. Le voici accompagné des musiciens de l’Orchestre de Leipzig et de la pianiste Martha Argerich dans le premier mouvement du Concerto pour piano de Schumann.

- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

In Memoriam: Tenor Anthony Rolfe-Johnson ( Nov. 5 1940 - July 21 2010) / En mémoire du ténor Anthony Rolfe-Johnson (5 novembre 1940-21 juillet 2010)

I was sad to read that English tenor Anthony Rolfe-Johnson passed away at 69 on July 21 in London.  Rolfe-Johnson had been ill for several years with Alzheimer's.  I have vivid memories of his Peter Grimes which I saw at the Met in the 1990s.  I remember at the time, I went hoping to hear Ben Heppner, but got Rolfe-Johnson instead.  I was not at all disappointed. His interpretation was quite different from the Grimes I was used to, having seen both Jon Vickers (twice) and Ben Heppner in Vancouver, Chicago and the Met.  Rolfe-Johnson was a lyric tenor, with a beautiful, refined timbre, excellent flexibility and admirable musicianship, ideal in Mozart and oratorio repertoires.  On stage, he didn't have the hulking physical presence of a Heppner or Vickers. Rather, his Grimes was gentler, more vulnerable, and curiously more human, affecting and poignant.  Having spent his young adulthood as a farmer in Sussex, Rolfe-Johnson didn't receive formal voice training until he was almost thirty, very late compared to other professional singers. But he went on to have a very fine career in opera and as a soloist with major orchestras.  In his memory, I have chosen the recording of "Fuor del Mar", from the complete recording of Idomeneo he made under the baton of John Eliot Gardiner.  He sings the original Munich version of the aria with all its intricate coloratura beautifully.  It is one of my favourite versions.

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C’est avec tristesse que j’ai appris le décès du ténor britannique Anthony Rolfe-Johnson à l’âge de 69 ans le 21 juillet à Londres. Depuis plusieurs années, il était atteint de la maladie d’Alzheimer. J’ai des souvenirs très nets de son Peter Grimes que j’ai vu au Met dans les années 1990. Je me souviens que je suis allé au concert espérant voir Ben Heppner, mais j’ai vu Anthony Rolfe-Johnson. Je n’ai pas été déçu. Son interprétation de Grimes n’était pas comme les autres que j’ai vus auparavant comme celui de Jon Vickers (deux fois) et de Ben Heppner à Vancouver, Chicago et au Met. M. Rolfe-Johnson était un ténor lyrique avec un merveilleux timbre raffiné d’une flexibilité incroyable et un sens musical admirable, idéal pour Mozart et les répertoires oratorios. Sur la scène, il n’avait pas la présence physique imposante d’un Ben Heppner ou d’un Jon Vickers. Mais, son Grimes était plus doux, plus vulnérable et curieusement plus humain, plus touchant et plus émouvant que le Grimes de ces deux ténors. Ayant vécu sa vie de jeune adulte comme fermier à Sussex, il n’a pas suivi de cours de chant professionnel avant l’âge de trente ans ce qui est très tard comparativement aux autres chanteurs professionnels. Mais, il a eu une très belle carrière tout de même dans le monde opératique et comme soliste avec les grands orchestres. Afin de lui rendre hommage, j’ai choisiFuor del Mar d’Idoménée sous la baguette de John Eliot Gardiner. Il chante la version originale de l’aria avec toutes ses coloratures complexes de façon merveilleuse. C’est l’une de mes versions préférées.

- Joseph K. So; Traduction par Robert Scott

Get twisting with Quartetto Gelato / Les acrobaties de Quartetto Gelato

Billed as "classical in training — eclectic by design", Canada's Quartetto Gelato has pretty much established itself as the king of classical music entertainment, and this short and quirky video proves just that.

Watch oboist Colin Maier do a split standing on two chairs while playing an excerpt from Antonio Pasculli's  La Favorita di Donizetti. Maier, who also works as a dancer, actor, stuntman, singer, choreographer, acrobat, and martial-artist, was the devil fiddler in the flying blue canoe for the Vancouver 2010 Winter Olympic opening ceremonies. Here, he is backed up by Quartetto Gelato playmates Peter De Sotto (tenor, violin, mandolin), Alexander Sevastian (accordion, piano, bandoneon), and Elizabeth McLellan (cello).

The group is scheduled to perform at the Stratford Summer Music Festival on Aug. 15.

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Le quatuor canadien Quartetto Gelato, de qui l’on dit « formé de façon classique et conçu de façon éclectique », s’est établi comme le roi de la musique classique ludique et ce court vidéoclip très original nous le démontre très bien.

Voyez le hautboïste Colin Maier faire le grand écart entre deux chaises en jouant un extrait de l’œuvre d’Antonio Pasculli de La favorite de Donizetti. En plus d’être danseur, acteur, cascadeur, chanteur, chorégraphe, acrobate, expert en arts martiaux, Colin Maier a interprété le diable qui jouait du violon dans le canoë volant lors des cérémonies d’ouverture des Jeux olympiques d’hiver de 2010 à Vancouver. Ici, il est accompagné de ses camarades du Quartetto Gelato : Peter De Sotto (ténor, violon, mandoline), Alexander Sevastian (accordéon, piano, bandonéon) et Elizabeth McLellan (violoncelle).

Le groupe se produira en spectacle au Stratford Summer Music Festival le 15 août.

- Tiffany L.H. Tsieh; Traduction par Robert Scott

Sir Charles Mackerras: In Memoriam / En mémoire de Sir Charles Mackerras

Sir Charles Mackerras died last week at the age of 84. He was one of the most respected and versatile conductors of his generation. Many listeners familiar with the outlines of his career assumed that he was either British or Australian. In fact, he was born in Schenectady, New York of Australian parents. His family moved to Sydney, Australia when Charles was three and he received his early musical training there. He concentrated on the oboe and became principal oboist of the ABC Sydney Orchestra. He moved to England in 1947 and joined the Sadler's Wells Orchestra. He later won a scholarship to study conducting in Prague with the legendary Vaclav Talich. This was the beginning of Charles Mackerras' love of Czech music, particularly Dvorak and Janacek. Mackerras went on to become an authoritative pioneer in promoting the Janacek operas, recording many of them with the Vienna Philharmonic.

Mackerras was one of the most scholarly of conductors. he took infinite pains to research correct performance practice for all the music he conducted. He led the way in incorporating modern understanding of how Eighteenth Century music should be played, in performances with orchestras using modern rather than period instruments. His performances of the works of Handel and Mozart were particularly outstanding.

One of the highlights of his career was conducting the opening of the Sydney Opera House in 1973 with Birgit Nilsson singing Wagner. There is a video of this concert; unfortunately, the quality is rather poor.

His legacy includes recordings of the complete symphonies of Mozart, Brahms and Beethoven, the operas of Janacek, at least five of the Gilbert and Sullivan operettas, and one of my favourites, Dvorak's opera Rusalka with Renee Fleming and Ben Heppner.

Sir Charles Mackerras was not the most charismatic of conductors. He was strictly business on the podium and had his head in the score much of the time. But he got superb results based on the quality of his preparation and his consummate professionalism. As was the case with conductors on the order of Beecham and Stokowski, his orchestral parts were marked so clearly that the players knew exactly what they had to do.

In this video Sir Charles Mackerras is interviewed by the principal flutist of the Philharmonia Orchestra. Sir Charles had a long history with this orchestra and they made many recordings together.

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Sir Charles Mackerras est décédé  la semaine dernière à l’âge de 84 ans. Il était l’un des chefs d’orchestre les plus respectés et les plus polyvalents de sa génération. Plusieurs personnes qui connaissaient les grandes lignes de sa carrière présumaient qu’il était Britannique ou Australien. En fait, il est né à Schenectady à New York de parents australiens. Sa famille déménagea à Sydney en Australie lorsque Charles avait trois ans où il reçut sa première formation musicale. Il apprit le hautbois et est devenu premier hautbois de l’Orchestre symphonique de Sydney. Il déménagea en Angleterre en 1947 et se joignit au Sadler’s Wells Orchestra. Il remporta une bourse d’études pour étudier à Prague avec le légendaire Vaclav Talich. Ceci marqua le début de son amour pour la musique tchèque, particulièrement celle de Dvorak et de Janacek. Il est par la suite devenu un expert des opéras de Janacek, enregistrant plusieurs opéras avec l’Orchestre philharmonique de Vienne. 

Il fut l’un des chefs d’orchestre les plus érudits. Il faisait beaucoup de recherche afin de trouver la bonne approche à l’interprétation de toute la musique qu’il dirigea. Il a montré la voie en incorporant sa vision contemporaine à la musique du XVIIIe siècle dans ses prestations orchestrales en utilisant des instruments modernes plutôt que des instruments d’époque. Ses prestations des œuvres de Händel et de Mozart étaient particulièrement remarquables. 

L’un des faits saillants de sa carrière fut de diriger la cérémonie d’ouverture de l’Opéra de Sydney en 1973 avec Birgit Nilsson qui chantait Wagner. Il existe un vidéoclip de ce concert, malheureusement il est de mauvaise qualité. 

Il s’est illustré en enregistrant l’intégrale des symphonies de Mozart, Brahms et Beethoven, les opéras de Janacek, les cinq dernières opérettes de Gilbert et Sullivan et l’un de mes enregistrements préférés : l’opéra Rusalka de Dvorak avec Renée Fleming et Ben Heppner.
Sir Charles Mackerras n’était pas très charismatique comme chef d’orchestre. Il était très strict au podium et il avait son nez dans la partition la plupart du temps. Mais, il eut de superbes résultats à cause de la qualité de sa préparation et de son professionnalisme absolu. Comme ce fut le cas avec les chefs d’orchestre du calibre de Beecham et Stokowski, ses partitions orchestrales étaient indiquées si clairement que les joueurs savaient exactement ce qu’ils avaient à faire. 

Dans ce vidéoclip, Sir Charles Mackerras est interviewé par la flûte solo de l’Orchestre Philharmonia. Il avait une longue histoire avec cet orchestre et ils ont fait de nombreux enregistrements ensemble. 

- Paul Robinson; Traduction par Robert Scott

Aspen Festival in HD

Elsewhere on this website you can read my blog from this summer's Aspen Festival. In spite of recent public and private disputes the festival and its school remain very special places for famous musicians and students alike. This promotional video will give you some idea of the spirit of the place. Unfortunately, it also reminds us that conductor David Zinman is no longer there. He resigned from his position as music director after twelve years, just before this year's festival. It was clear that he had irreconcilable differences with president and CEO Alan Fletcher. At the time Zinman gave no reasons but in a later statement he was more forthcoming:


        For some time I have felt that Mr. Fletcher's vision for the festival was no longer the same as mine...I felt strongly that my opinions no longer mattered nor were they seriously considered...I find myself unable to work in an atmosphere of tension, uncertainty and disrespect.

David Zinman has a very full engagement book these days but he will be missed in Aspen. For more on his activities visit his website at www.davidzinman.org.


It remains to be seen what Alan Fletcher will do to sustain the Aspen idea. I wish him well.


There are eight weeks of concentrated music-making at Aspen this year and there are few signs of cutbacks in the quality of soloists and conductors. Still to come this summer are Renee Fleming, Sara Chang, Yuja Wang, Stephen Hough, Jean-Yves Thibaudet and many others. There is also a large Canadian contingent headed by Peter Oundjian, Marc-Andre Hamelin, James Ehnes, Isabel Bayakdarian and Joaquin Valdepenas.


The big names keep coming back to Aspen year after year because it is such an inspiring and magical place. And because the interaction between established artists and gifted students is so enriching for both groups. To learn more about the Aspen Music Festival and School visit their website at www.aspenmusicfestival.com.

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Ailleurs sur ce site, vous pouvez lire mon article au sujet du Festival de musique d’Aspen de cet été. En dépit des derniers conflits médiatisés et des conflits internes au sein du festival, le festival et son école demeure un endroit très spécial pour les musiciens célèbres et pour les élèves. Ce vidéoclip promotionnel vous donnera une idée de l’esprit de l’endroit.

Malheureusement, il nous rappelle aussi que le chef d’orchestre David Zinman n’est plus au sein du festival. Il a quitté ses fonctions en tant que directeur musical juste avant le début du festival de cette année après douze ans de service. Il était évident qu’il avait des divergences inconciliables avec le président et PDG Alan Fletcher. Lorsqu’il a remis sa démission, David Zinman n’a donné aucune raison, mais dans une déclaration antérieure, il a été plus direct : 

     Je sentais que la vision du festival de M. Fletcher n’était plus compatible avec la mienne. Je croyais fermement que mes opinions n’étaient plus considérées de façon sérieuse… Je suis incapable de travailler dans un environnement de tension, d’incertitude et de manque de respect. 

David Zinman a un horaire très chargé ces temps-ci et il sera manqué à Aspen. Pour de plus amples renseignements au sujet de ses activités, visitez le www.davidzinman.com.  
Il reste à voir ce que Alan Fletcher fera pour nourrir le concept du festival. Je lui souhaite bonne chance. 

Cette année, il y a huit semaines consacrées à la musique à Aspen et il n’y a aucun signe d’une baisse dans la qualité des solistes et des chefs d’orchestre. Toujours à venir cet été sont Renée Fleming, Sara Chang, Yuja Wang, Stephen Hough, Jean-Yves Thibaudet et plusieurs autres. Il y a aussi de nombreux Canadiens comme Peter Oundjian, Marc-André Hamelin, James Ehnes, Isabel Bayakdarian et Joaquin Valdepenas. 

Année après année, les grands noms continuent de revenir à Aspen parce que c’est un endroit si inspirant et magique et aussi parce que l’interaction entre les artistes connus et les élèves doués est si enrichissante pour ces deux groupes. Pour de plus amples renseignements au sujet du Festival de musique d’Aspen et son école, visitez le site www.aspenmusicfestival.com.v



- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

Jonas Kaufmann sings "Frederico's Lament" / Jonas Kaufmann chante Lamento di Federico

Friday, July 23rd marks the birthday of Italian composer Francesco Cilea, who was born in 1866 and died in 1950. Together with Puccini, Giordano, Leoncavallo, Mascagni, Catalani, Ponchielli and others, Cilea was an exponent of the "blood and guts" verismo style.  Today he is primarily remembered for his opera Adriana Lecouvreur, a real diva vehicle that hovers on the fringes of the standard repertoire.  Cilea also composed four other operas but they are pretty much forgotten except for the aria, "Lamento di Frederico" from the rarely performed L'Arlesiana.  A young Caruso sang its premiere in 1897. Since then, countless tenors have given this great aria a crack.  Taped in a Munich concert recently , the German tenor Jonas Kaufmann sings this gorgeous aria with virile, Italianate tone, exemplary technique with great dynamic shading, and true depth of feeling.  No wonder Kaufmann is considered the premiere spinto tenor of our time - he sings this aria as beautifully as anyone, past and present.

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Vendredi le 23 juillet marque l’anniversaire de naissance du compositeur italien Francesco Cilea qui est né en 1866 et est mort en 1950. Ensemble avec Puccini, Giordano, Leoncavallo, Mascagni, Catalani, Ponchielli et autres, Francesco Cilea était un champion du vérisme italien. Aujourd’hui, il est principalement considéré pour son opéra Adriana Lecouvreur, un véhicule pour les divas qui plane sur les bordures du répertoire classique. Il composa aussi quatre autres opéras, mais ils sont presque tous oubliés sauf pour l’aria Lamento di Federico de L’Arlesiana qui est rarement jouée. Un jeune Caruso l’a chanté pour la première fois en 1897. Depuis, d’innombrables ténors ont interprété cette grande aria. Enregistré en concert à Munich dernièrement, le ténor Jonas Kaufmann chante cette magnifique aria avec une voix virile de style italien, avec une technique exemplaire aux grandes nuances dynamiques et avec un véritable sentiment de profondeur. Il est pas surprenant que Kaufmann soit considéré comme le principal ténor spinto de notre époque. Il chante cette aria aussi bien que tout autre ténor d’hier et d’aujourd’hui.

- Joseph K. So; Traduction par Robert Scott

Steve Reich • Clapping Music

GVSU New music Ensemble performs Steve Reich classic work.

- Michael Vincent

Canadian Brass on location in Elora / Le quintette Canadian Brass à Elora

In this beautiful video directed by Barbara Willis Sweete of Toronto's Rhombus Media, the Canadian Brass performs a commissioned work, Quintet, by the late American film composer Michael Kamen, of Robin Hood and Mr. Holland's Opus fame.


Filmed at the Elora Rock Quarry in Elora, Ontario, members of the Canadian Brass ditched their white runners for black sneakers to play this sombre and serene piece of music. The players in this video are Chuck Daellenbach (tuba), Gene Watts (trombone), Jeff Nelsen (French horn), Joe Burgstaller (trumpet), and Stuart Laughton (trumpet).


Watts, Burgstaller, and Laughton have since been replaced by Keith Dyrda (trombone), Brandon Ridenour (trumpet), and Chris Coletti (trumpet).

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Dans ce magnifique vidéoclip réalisé  par Barbara Willis Sweete de Rhombus Media à Toronto, le Quintette Canadian Brass interprète une œuvre de commande, Quintet, du défunt compositeur américain Michael Kamen célèbre pour ses compositions de la musique de films tels que Robin des Bois et Professeur Holland. 

Ce vidéoclip fut enregistré  dans la carrière de roche d’Elora à Elora en Ontario. Les membres du quintette ont remplacé leurs espadrilles blanches pour des espadrilles noires pour jouer cette pièce de musique sombre et sereine. Les joueurs dans ce vidéoclip sont Chuck Daellenbach (tuba), Gene Watts (trombone), Jeff Nelsen (cor français), Joe Burgstaller (trompette) et Stuart Laughton (trompette). 


M. Watts, M. Burgstaller et M. Laughton ont été remplacés depuis par Keith Dyrda, (trombone), Brandon Ridenour (trompette) et Chris Coletti (trompette).   

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Robert Scott

Composer John Adams Dishes On Pop Culture

Complete video at: http://fora.tv/2009/05/14/John_Adams_...

"The great bifurcation in music is between pop and classical," says composer John Adams. He discusses the challenge of creating classical music in a nation dominated by pop culture and "lingering anti-intellectualism."

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One of America's most performed and admired composers, John Adams (Nixon in China, Doctor Atomic) helped shape the landscape of contemporary classical music.

His new memoir reveals the inner workings of his creative process and illuminates the recent history of music-making. - Los Angeles Public Library

John Adams is a Pulitzer Prize-winning American composer with strong roots in minimalism. His best-known works include Harmonielehre (1985), On the Transmigration of Souls (2002), a choral piece commemorating the victims of the September 11, 2001 attacks (for which he won the Pulitzer Prize for Music in 2003), and Shaker Loops, a minimalist four-movement work for strings. His well-known operas include Nixon in China (1987), which recounts Richard Nixon's 1972 visit to China, and Doctor Atomic (2005), which covers Robert Oppenheimer, the Manhattan Project, and the building of the first atomic bomb.

- Michael Vincent

Jaap van Zweden Plays Vivaldi / Jaap van Zweden joue Vivaldi

Before he became a full-time conductor Jaap van Zweden was concertmaster of the Royal Concertgebouw Orchestra and a well-known violin soloist. As violinist he recorded a number of concertos including the Paganini, Violin Concerto No. 1, the Barber Violin Concerto and quite a few works by Vivaldi including The Four Seasons. Here he is with the Combattimento Consort Amsterdam playing part of the Summer Concerto. 

 

Most young men and women who become conductors are pianists, but others are violinists (Pinchas Zukerman), cellists (Toscanini) or even double bass players (Koussevitsky). But as a trivia question how many important conductors can you think of who have been not only violinists but concertmasters of major orchestras? I can think of a few in addition to van Zweden: Charles Munch - he was concertmaster of the Leipzig Gewandhaus Orchestra - and Anshel Brusilow. Brusilow was concertmaster of the Philadelphia Orchestra and later became conductor of the very same orchestra which van Zweden now heads, the Dallas Symphony. 

 

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Avant de devenir chef d’orchestre à temps plein, Jaap van Zweden était premier violon de l’Orchestre royal du Concertgebouw ainsi qu’un célèbre soliste au violon. En tant que violoniste, il enregistra de nombreux concertos incluant le Concerto pour violon n^o1 de Paganini, le Concerto pour violon de Barber, et de nombreuses œuvres de Vivaldi incluant Les Quatre Saisons. Le voici avec le Combattimento Consort Amsterdam interprétant un extrait du Concerto n^o2 l’Été.

La plupart des jeunes musiciens qui deviennent des chefs d’orchestre sont des pianistes. Les autres sont des violonistes (Pinchas Zukerman), des violoncellistes (Toscanini) ou même des contrebassistes (Koussevitsky). Mais combien de chefs d’orchestre importants pouvez-vous nommer qui ont été à la fois violonistes et premiers violons de grands orchestres? À part Jaap van Zweden, je ne peux en nommer que quelques un: Charles Munch était premier violon de l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig et Anshel Brusilow était premier violon de l’Orchestre de Philadelphie. Plus tard, M. Brusilow est devenu chef d’orchestre du même orchestre que dirige maintenant Jaap van Zweden, l’Orchestre symphonique de Dallas.

 

- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

Jaap van Zweden in Conversation with Paul Robinson / Jaap van Zweden en conversation avec Paul Robinson

I recently travelled to Vail, Colorado to hear several concerts by the Dallas Symphony conducted by Jaap van Zweden. As it happened, these are the last concerts van Zweden will conduct until he returns to Dallas in September. For some months he has been experiencing pain in his shoulder and his doctor has ordered him to take a complete rest. Following orders, van Zweden cancelled his last scheduled concert in Vail (Beethoven's Ninth Symphony) and a concert soon afterwards at the Aspen festival (Mahler Ninth Symphony).

While in Vail I recorded a conversation with the Dutch conductor. We talked about the special conditions facing musicians at summer music festivals, his long relationship with violinist Nadja Salerno-Sonnenberg and the music of Samuel Barber, and the influence of Nikolaus Harnoncourt on his approach to the music of Mozart and Beethoven.

Since giving up his career as a violin soloist and concertmaster (Royal Concertgebouw Orchestra), Jaap van Zweden has established himself as one of the most important conductors of his generation. In addition to heading the Dallas Symphony and the Netherlands Philharmonic, Jaap van Zweden regularly conducts the Chicago Symphony, the Los Angeles Philharmonic, the Philadelphia Orchestra, the London Philharmonic and other leading orchestras.

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Je suis allé récemment à  Vail au Colorado où j’ai entendu plusieurs concerts de l’Orchestre symphonique de Dallas sous la baguette de Jaap van Zweden. Il s’avère que c’était les derniers concerts dirigés par lui jusqu’à son retour à Dallas en septembre. Depuis quelques mois, il éprouve de la douleur à une épaule et son médecin lui a dit qu’il doit se mettre au repos complet. Suivant l’avis de son médecin, il a annulé son dernier concert à Vail (la symphonie n^o9 de Beethoven) et un autre concert peu après au Festival de musique d’Aspen (la symphonie n^o9 de Mahler).

Lorsque j’étais à Vail, j’ai enregistré une conversation avec le chef d’orchestre néerlandais. Nous avons parlé des conditions spéciales qui touchent les musiciens aux festivals de musique d’été, ses relations de longue date avec la violoniste Nadja Salerno-Sonnenberg et la musique de Samuel Barber et l’influence de Nikolaus Harnoncourt sur son approche de la musique de Mozart et de Beethoveen.

Depuis qu’il a abandonné sa carrière de violoniste et de premier violon (l’Orchestre royal du Concertgebouw), Jaap van Zweden s’est imposé comme l’un des chefs d’orchestre les plus importants de sa génération. En plus de diriger l’Orchestre symphonique de Dallas et l’Orchestre philharmonique des Pays-Bas, il dirige régulièrement l’Orchestre symphonique de Chicago, l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, l’Orchestre de Philadelphie, l’Orchestre philharmonique de Londres et d’autres grands orchestres.
 

- Paul E. Robinson; traduction par Robert Scott

In Memoriam: Cesare Siepi / À la mémoire de Cesare Siepi

Italian bass Cesare Siepi passed away after suffering a stroke in Atlanta, Georgia on July 5.  A native of Milan, Italy, Siepi was to many the greatest Italian bass in the second half of the 20th century - pace Ezio Pinza fans!  Siepi combined a truly gorgeous basso cantante with innate musicality and dramatic verisimilitude. In a long career spanning some 50 years (from 1941 to late 1980s), Siepi was a justly famous Don Giovanni, Boris Godunov, King Phillip, and Mefistopheles.  He was also known for his matinee idol looks and slim figure. Singing in an era when the public focused more on the quality of voice than on singers who looked good, Siepi was one of the first to be blessed with both.  His Don Giovanni, fortunately captured on a complete video, was known for his suave stage presence as well as his magnificent basso.  In traditional productions, the Don usually wears tights, and soprano Robert Peters, his Zerlina, was one of many who commented that Siepi has "the best legs in the business"  To commemorate his passing, I have chosen Siepi singing King Phillip's great monologue, "Ella giammai m'amo" from Don Carlo. Videotaped in 1970 before a handpicked TV audience, Siepi is caught here in late prime - the voice still wonderful if a bit leaner in sound than a dozen years earlier, and the tempo is a bit fast.  He sings expressively, but without any conscious "acting" preferring to let the music speaks for itself.   

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La basse italienne Cesare Siepi est décédé après avoir subi un accident vasculaire cérébral le 5 juillet à Atlanta en Géorgie. Né à Milan en Italie, il était pour plusieurs l’une des grandes basses italiennes de la seconde moitié du XXe siècle, avec toute déférence aux amateurs d’Ezio Pinza! Cesare Siepi alliait une basse remarquable avec une musicalité innée et une vraisemblance spectaculaire. Dans sa longue carrière de plus de 50 ans, de 1941 jusqu’aux années 1980, il était célèbre pour ses rôles de Don Giovanni, Boris Godounov, Philippe II d’Espagne et Méphistophélès. Il était reconnu aussi pour son apparence de vedette de cinéma et pour sa minceur. Il chantait dans une époque où le public prêtait plus attention à la qualité de la voix d’un chanteur qu’à sa beauté. Cesare Siepi fut le premier à avoir les deux. Son Don Giovanni qui fut enregistré sur vidéo était célèbre pour sa présence sur scène chaleureuse et pour sa magnifique basse. Dans les productions traditionnelles, le Don Giovanni porte habituellement des collants et Roberta Peters, sa Zerlina, était une des nombreuses à dire que Cesare Siepi avait « les plus belles jambes du monde opératique ». Afin de lui rendre hommage, j’ai choisi un vidéoclip de lui qui interprète la merveilleuse aria Elle ne m’aime pas de Don Carlos. Ce vidéoclip fut enregistré en 1970 peu après l’apogée de sa carrière devant un auditoire qu’il a choisi. Sa voix est toujours aussi merveilleuse quoiqu’elle soit moins basse qu’il y a une douzaine d’années auparavant et le tempo est un peu rapide. Il chante avec expression, mais sans trop en jouer préférant plutôt laisser la musique se faire entendre par elle-même.

- Joseph K. So; Traduction par Robert Scott

Chamber music Made in Canada / La musique de chambre Made in Canada

Ensemble Made in Canada is made up of four Canadian musicians: violinist Judy Kang, violist Sharon Wei, cellist Rachel Mercer, and pianist Angela Park. In this undated video, they perform the first movement of Fauré's C-minor Piano Quartet, Op. 15. You can catch the girls live at the Ottawa International Chamber Music Festival on July 29 and 30, and at the Stratford Summer Music Festival from Aug. 6-8.

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L’ensemble Made in Canada est composé de quatre musiciennes canadiennes : Judy Kang (violon), Sharon Wei (violon), Rachel Mercer (violoncelle) et Angela Park (piano). Dans ce vidéoclip non daté, elles interprètent le premier mouvement du Quatuor avec piano n^o1 en do mineur, op. 15 de Fauré. Vous pouvez les voir en concert au Festival international de musique de chambre d’Ottawa le 29 et 30 juillet et au Stratford Summer Music Festival du 6 au 8 août.

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Robert Scott

Rarely-Heard Music by D'Indy Featured at Round Top Festival / La musique rarement interprétée de Vincent D’Indy en vedette au Festival de musique Round Top

I was at the Round Top Festival Institute several weeks ago and I was greatly impressed by by the music-making I heard. You can check out what I wrote about the concerts elsewhere on this website under the title Round Top, Texas: The Impossible Dream? 

But much to my surprise and delight I discovered later that the festival videotapes most of its concerts and posts them on its own website, www.festivalhill.org, and on YouTube. It is always frustrating for critics to try to capture in words what concerts were really like, and doubly frustrating for readers to try to get much at all out of written reviews of concerts they didn't attend. One of the pieces which really caught my attention at Round Top was Vincent D'Indy's Chanson et Danses for Wind Septet Op. 50. Now, thanks to the video produced by the festival you can see and hear what I was writing about.

This video contains the second movement and some remarkably interesting writing for the two clarinets. The performers - a combination of faculty and students at Round Top - are Aralee Dorough, flute (principal, Houston Symphony), Erin Hannigan, oboe (principal, Dallas Symphony), Kenneth Grant, clarinet (principal, Rochester Philharmonic), Eric Anderson, clarinet (2010 Young Artist), Benjamin Kamins, bassoon (principal, Houston Symphony), Kara LaMoore, bassoon (2010 Young Artist), and Michelle Baker, horn (second horn, Metropolitan Opera Orchestra).

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Il y a quelques semaines, j’étais au Festival de musique de l’atelier Round Top et j’ai été très impressionné par la musique que j’ai entendue. Vous pouvez lire en anglais mon article au sujet de ces concerts ailleurs dans ce site Web sous le titre Round Top, Texas : The Impossible Dream? 

Mais, à mon agréable surprise, j’ai découvert plus tard que le Festival enregistre la plupart de ses concerts et les affiche sur son site Web www.festivalhill.org, et sur YouTube. C’est toujours frustrant pour les critiques de mettre en mots l’expérience musicale des concerts et deux fois plus frustrant pour les lecteurs d’en tirer beaucoup des comptes-rendus des concerts auxquels ils n’ont pas assisté. Une des pièces qui a attiré mon attention à Round Top était Chansons et danses, op. 50 de Vincent D’Indy. Maintenant, grâce au vidéoclip produit par le Festival, vous pouvez voir et entendre la musique qui était le sujet de mon article. 


Ce vidéoclip met en vedette le second mouvement ainsi que des morceaux très intéressants pour les deux clarinettes. Les musiciens (composés de professeurs et d’élèves de l’atelier Round Top) sont : Aralee Dorough, flûte (solo, Orchestre symphonique de Houston), Erin Hannigan, hautbois (solo, Orchestre symphonique de Dallas), Kenneth Grant, clarinette (solo, Orchestre philharmonique de Rochester), Eric Anderson, clarinette (Young Artist 2010), Benjamin Kamins, basson (solo, Orchestre symphonique de Houston), Kara LaMoore, basson (Young Artist 2010) et Michelle Baker, cor (deuxième cor, Orchestre du Metropolitan Opera).  

- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

The Round Top Festival Institute in Texas 2010 / L’édition 2010 du Festival de musique de l’atelier Round Top au Texas

 

You may have read my recent blog about a visit to the Round Top Festival Institute in Texas. It is still available under the title Round Top, Texas: The Impossible Dream? Here is a video to go along with my words. It contains a brief excerpt from one of the orchestral concerts I heard: Brahms Double Concerto with soloists Federico Agostini, violin, and Emilio Colon, cello. Christoph Campestrini conducts the Texas Festival Orchestra. Agostini is an Associate Professor at Indiana University and a former member of I Musici, and Emilio Colon is a former student of Janos Starker and also an Associate Professor at Indiana University.

The video also includes a visit to one of the museums attached to the Festival Concert Hall: the Anders Gustav Fredrik and Josephine Oxehufwud Museum Room. This beautiful room contains personal possessions donated to the festival by members of a distinguished Swedish family who lived in Central Texas. For more about the festival visit www.festivalhill.org.

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Vous avez peut-être lu en anglais mon article affiché sur le blogue intitulé Round Top Festival Institute in Texas. Il peut toujours être lu sous le titre Round Top, Texas : The Impossible dream? Voici un vidéoclip qui accompagne mes mots. Il contient un court extrait d’un des concerts orchestraux que j’ai écouté : Double concerto de Brahms avec les solistes Federico Agostini (violon) et Emilio Colon (violoncelle). Christoph Campestrini dirige le Texas Festival Orchestra. Federico Agostini est professeur agrégé à l’Université de l’Indiana et est un ancien membre d’I Musici. Emilio Colon est un ancien élève de Janos Starker et est aussi professeur agrégé à l’Université de l’Indiana. 

Ce vidéoclip comprend aussi une visite de la salle de musée Anders Gustav Fredrik et Josephine Oxehufwud qui est rattachée à la Salle de concert du Festival. Cette magnifique salle de musée contient des biens personnels donner au Festival par des membres d’une famille suédoise distinguée qui ont vécu au centre du Texas. Pour de plus amples renseignements au sujet du festival, visitez le www.festivalhill.org.  

- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

Lorraine Hunt Lieberson sings Mahler (July 7 1860 - May 18 1911)

This Wednesday is the 150th anniversary of the birth of the great Gustav Mahler, who was born in Kaliste, Bohemia on July 7, 1860. His late-Romantic musical idiom was a link between the Romantic Era and the modernism to come later. His music was under-appreciated during his lifetime, but it underwent a revival starting mid 20th century. Today his symphonies and his songs are considered a cornerstone of the standard repertoire. To remember this important anniversary, orchestras around the world are programming Mahler, and special celebrations are taking place this week in Austria and Hungary. Our own TSO is unfortunately in hiatus, but the Toronto Summer Music Festival is calling this year's theme Song of the Earth, and will perform the chamber version of Das Lied von der Erde on August 7.  To celebrate Mahler's birthday, I've chosen the fifth song of his transcendent Ruckert Lieder, "Ich bin der Welt abhanden gekommen", sung by the late, great mezzo Lorraine Hunt Lieberson. She tragically died at the much too young age of 52 from breast cancer on July 3, 2006. To many, "Ich bin der Welt" is the most inspired and deeply moving of all Mahler songs. Heard here in a live performance by Hunt-Lieberson accompanied by Roger Vignoles, it takes on an almost unbearable poignancy.

- Joseph K. So

'It Goes Without Saying' by Nico Muhly

Video made by Una Lorenzen for 'It Goes Without Saying' from the album 'Speaks Volumes' by Nico Muhly, released on Bedroom Community 2006.

- Michael Vincent

Summer according to Sejong and Piazzolla

A string orchestra rarely sounds and looks this good, but the New York-based Sejong (formerly International Sejong Soloists), formed in 1995, has it all.

Check out this beautifully shot and edited video of the group playing Piazzolla's electrifying The Four Seasons of Buenos Aires (Summer). If you are in southern Ontario this week and trying to beat the heat wave, this music will no doubt cool you down. If you are in Korea later this month, try catching Sejong at the Great Mountains International Music Festival in the Gangwon province between July 26 and Aug. 9.

- L.H. Tiffany Hsieh

Peter Pears and Benjamin Britten

Around this time of year, when the Aldeburgh Festival is in full swing, I always think of Britten and Pears and the unique festival they created. I have always admired Britten and Pears for their enormous contribution to the music and the musical life of the Twentieth Century. I first heard Pears - without Britten - at a concert at the Royal Conservatory in Toronto. It must have been about 1958. Pear's collaborator on that occasion was Julian Bream. They did a programme of Elizabethan music and Bream played the lute. It was a revelation to me to hear such great music that was mostly unknown to me at the time and performed with such unassuming mastery.

Later, in 1969, I had the pleasure to visit the Aldeburgh Festival - in fact, my wife and I rented a house for the duration of the festival - and experienced more revelations almost daily for two weeks. That was a traumatic year for the festival. The original Maltings concert hall burned down just before the festival started and Pears and Britten were forced to improvise. Many festival concerts were given in churches anyway but many more had to be moved to various churches that year, even a fully-staged production of Mozart's opera Idomeneo conducted by Britten. As I recall, not a single concert was cancelled and the entire community dug deep to help in any way it could.

This video captures Pears and Britten in their prime, and in one of Britten's incomparable folk song arrangements, O Waly, Waly. Note how the vocal part is simply a melody repeated over and over, yet Pears manages to plumb the meaning of the words for a vast range of emotion. Britten's piano part is a series of chords, but ever so subtley varied over the course of the song. Britten always got to the heart of the matter with the most extraordinary economy of means.

- Paul E. Robinson

Dudamel in Berlin / Dudamel à Berlin

Gustavo Dudamel has just finished his first season as music director of the Los Angeles Philharmonic, but he is also fulfilling guest conducting engagements all over the world. One of his mentors was Simon Rattle so it is no surprise that Rattle invites him to Berlin at every opportunity. Here is Dudamel leading an ecstatic performance of Rachmaninov's Isle of the Dead. By the way, the whole performance is available direct from the Berlin Philharmonic Orchestra as part of their innovative video streaming project. The concerts are a little pricey, but both the video and audio quality is outstanding, and there is definitely a 'you are there' feeling about these performances.

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Gustavo Dudamel vient juste de terminer sa première saison à titre de directeur musical de l'Orchestre philharmonique de Los Angeles, et il a été invité à diriger des orchestres un peu partout dans le monde. Simon Rattle fut l'un de ses mentors : pas étonnant qu'il l'invite à Berlin à tout bout de champ! Voici Dudamel dans une interprétation exaltée de l'Île des morts de Rachmaninov. Cette représentation est disponible directement sur le site de l'Orchestre philharmonique de Berlin, qui a entrepris un projet innovateur de diffusion vidéo. Ces concerts sont loin d'être gratuits, mais la qualité du son et de l'image est exceptionnelle et on a vraiment l'impression d'être là, dans la salle.  

- Paul E. Robinson; Traduction par Anne Stevens

Rosa Ponselle Sings Stephen Foster / Rosa Ponselle chante Stephen Foster

This Sunday, July 4, is Stephen Foster's birthday. He was born on July 4, 1826 in Lawrenceville, Pennsylvania, and died in poverty at only 37 in New York on January 13, 1864. Considered the Father of American Song, Foster had a melodic inspiration second to none. One has to have a heart of stone not to be moved by his songs the likes of Beautiful Dreamer, My Old Kentucky Home, Old Folks At Home, and many more.  To remember the birthday of this great song writer, I have chosen Old Folks At Home, sung by another great American, soprano Rosa Ponselle.  Opera lovers will be familiar with Ponselle, who sang in the era of Caruso.  It is so intriguing to hear a great Norma, Aida, Santuzza, and Leonora (Forza) sing this very sentimental ditty. Ponselle actually sings it without excessive sentimentality, only varying her tone colours for expression.  This is a performance to remember.

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Ce dimanche, le 4 juillet, marque l’anniversaire de naissance de Stephen Foster. Il est né le 4 juillet 1826 à Lawrenceville en Pennsylvanie et est mort dans la pauvreté le 13 janvier 1864 à 37 ans à New York. Considéré comme le père de la chanson américaine, Stephen Foster possédait une inspiration mélodique sans pareil. Il est difficile de ne pas être ému par ses chansons telles que : Beautiful Dreamer, My Old Kentucky Home, Old Folks At Home, et plusieurs autres. Afin de souligner l’anniversaire de naissance de ce grand auteur-compositeur, j’ai choisi Old Folks At Home interprétée par une autre grande américaine, la soprano Rosa Ponselle. Les amateurs d’opéras connaissent Rosa Ponselle qui a chanté dans le temps de Caruso. Il est très intéressant d’entendre cette grande Norma, Aïda, Santuzza et Leonora (La forza del destino) chanter cette chansonnette très sentimentale. En fait, elle la chante sans sentimentalité excessive, ne variant que son timbre musical pour l’expression. C’est une prestation mémorable.

- Joseph K. So; Traduction par Robert Scott