Gerald Finley sings "Mein Sehnen, mein Wahnen" from Korngold's Die Tote Stadt / Gerald Finley chante Mein Sehnen, mein Wahnen de Die Tote Stadt de Korngold

May 29 marks the 113th anniversary of Erich Wolfgang Korngold's birth. He was born to a Jewish family in Brno, the Czech Republic on May 29, 1897.  A child prodigy, Korngold studied with Zemlinsky, and composed a ballet at 11 and his first orchestral work at 14.  Among his most popular works is the opera Die Tote Stadt, which he composed when he was all of 23.  Today this is considered his masterpiece, together with his violin and cello concertos. But as classical music increasingly moved away from late-Romantic sensibilities to the more hard-edged, angular style of serialism during his lifetime, Korngold's musical idiom completely went out of fashion. Feeling he was ignored by the musical establishment, Korngold emigrated to the US in 1938, settling in Los Angeles and became a prolific film composer. But he continued to compose "serious" music, including the famous violin concerto. He died on November 29, 1957 and was buried in Hollywood.  For those intrigued by Korngold, I can recommend the terrific documentary, Korngold: The Adventures of a Wunderkind, available on DVD from Arthaus Musik. The musical world has seen a revival of Korngold's music since the 1970's, helped by Decca's Entartete Musik series, which features banned and neglected masterpieces mostly from the Nazi era. A wonderful recording of Korngold' Das Wunder der Heliane is also part of this series.  To celebrate Korngold's birthday, I have chosen the great Canadian baritone Gerald Finley singing Fritz's aria "Mein Sehnen, mein Wahnen" from Die Tote Stadt.  This chestnut of a baritone aria is very much a party piece, extremely popular on the concert stage and in vocal competitions.  It requires a beautiful, smooth lyric baritone, with a solid legato and a melting mezza voce. There are several lovely performances of this on Youtube, most notably that of Hermann Prey. Gerald Finley's version, taken at a very slow tempo, is right up there among the best.   

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Le 29 mai marque le 113^e anniversaire de la naissance d’Erich Wolfgan Korngold. Il est né à Brno en République tchèque, le 29 mai 1897, de famille juive. Enfant prodige, Korngold étudia avec Zemlinsky et composa un ballet à 11 ans et sa première production orchestrale à 14 ans. Il composa à l’âge de 23 ans l’opéra Die Tote Stadt qui est l’une de ses oeuvres les plus populaires. Aujourd’hui, cet opéra est considéré comme son chef-d’œuvre conjointement avec ses concertos pour violon et pour violoncelle. Mais, au cours de sa vie, alors que la musique classique s’éloignait de plus en plus de l’émotivité de la musique romantique pour se rapprocher du style plus rigoureux et invariable de la musique sérielle, le style musical de Korngold est devenu démodé. Il se sentit ignoré par les magnats de la musique et émigra aux États-Unis en 1938. Il s’installa à Los Angeles où il devint un compositeur de musique de film prolifique. Mais, il continua de composer de la musique « sérieuse », incluant le célèbre Concerto pour violon. Il est décédé le 29 novembre 1957 et fut enterré à Hollywood. Pour ceux qui veulent en savoir davantage sur Korngold, je vous recommande le merveilleux documentaire Korngold : The Adventures of a Wunderkind sortie en DVD sous l’étiquette Arthaus Musik. Le monde musical a connu une reprise de la musique de Korngold depuis les années 1970 grâce à la série Entartete Musik de Decca. Cette série comprend des chefs-d’œuvre oubliés et proscrits principalement de l’époque des nazis. Un enregistrement extraordinaire de Das Wunder der Heliane de Korngold fait aussi partie de cette série. Afin de célébrer l’anniversaire de naissance de Korngold, j’ai choisi un vidéoclip du grand baryton canadien Gerald Finley qui chante l’aria de Fritz Mein Sehnen, mein Wahnen de Die Tote Stadt. Cette douce aria pour baryton est vraiment une pièce de prédilection. Elle est extrêmement populaire en concert et en concours de chant. Elle nécessite une belle voix claire de baryton lyrique avec un legato solide et un mezza voce fondant. Il y a plusieurs interprétations fantastiques sur YouTube, surtout celle d’Hermann Prey. La version de Gerald Finley, interpréter dans un tempo très lent, se trouve parmi les meilleurs.

- Joseph K. So; Traduction par Robert Scott

Jorge Mester Leaves Pasadena Symphony After 25 Years / Jorge Mester quitte l’Orchestre symphonique de Pasadena après 25 ans

The Pasadena Symphony recently announced that its music director, Jorge Mester, had resigned from the orchestra he had led for 25 years. But a few days later a spokesman for Mester made it known that the conductor had not quit but had been forced out. The organization is grappling with major financial problems and it was alleged that Mester was unwilling to help. His spokesman said that this was not true at all. Many members of the orchestra were dismayed by the news of Mester's departure, and indicated that they were very supportive of their long-time music director. The Pasadena Symphony is an excellent ensemble made up of some of the finest free-lance musicians in the Los Angeles area. The orchestra has a budget of about $3.2 million and is carrying debt of about $1.2 million according to a recent article in the Los Angeles Times.

Mester, 75, has had a long and distinguished career as a conductor leading the Louisville Symphony, the Naples Philharmonic and several other U.S. orchestras. At one time he taught conducting at the Juilliard School in New York.

This video was recorded at the last concert of the current season as the news of Mester's sudden departure was becoming known.

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L’Orchestre symphonique de Pasadena a récemment annoncé que leur directeur musical, Jorge Mester avait quitté son poste avec l’orchestre qu’il avait dirigé pendant 25 ans. Mais, quelques jours après l’annonce, un porte-parole de M. Mester a affirmé que le chef d’orchestre n’avait pas démissionné de son poste, mais plutôt, qu’il avait été poussé à remettre sa démission. L’organisation est aux prises avec de graves difficultés financières et il a été allégué que M. Mester ne voulait pas faire de compromis. Son porte-parole affirme que cela n’était pas le cas. De nombreux membres de l’orchestre ont été consternés par la nouvelle et ont fait connaître qu’ils appuyaient leur chef d’orchestre de longue date. L’Orchestre symphonique de Pasadena est un excellent ensemble qui est composé des meilleurs musiciens indépendants de la région de Los Angeles. L’orchestre a un budget d’environ 3,2 millions de dollars et cumule une dette d’environ 1,2 million de dollars selon un récent article publié dans le Los Angeles Times.  

M. Mester, âgé de 75 ans, a eu une longue et belle carrière en tant que chef d’orchestre ayant dirigé l’Orchestre de Louisville, l’Orchestre philharmonique de Naples et plusieurs autres orchestres aux États-Unis. À un certain moment donné, il a enseigné la direction d’orchestre à l’École Juilliard à New York. 

Ce vidéoclip a été enregistré  lors du dernier concert de la saison au moment où la nouvelle de la démission de M. Mester se propageait. 

- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

Children's Music Books About Vivaldi Launched in Texas / Lancement de livres d’enfants sur Vivaldi au Texas

Earlier this month the children's book Anna Maria's Gift was launched in Austin, Texas. The venue was the downtown independent store called Book People. The author of the book is Janice Shefelman who already has a number of other children's books to her credit. One of them is I, Vivaldi, also a book designed to interest children in classical music. I, Vivaldi was published in 2008 by Eerdmann's Books for Young Readers and is handsomely illustrated by the author's husband Tom.


Anna Maria's Gift is published by Random House with illustrations by Robert Papp. In this video made at the launch party the author read an excerpt from the book, and Gelsomina Meglino played music by Vivaldi. The book tells the story of a young girl who is sent to an orphanage in Venice after the death of her father. One of the teachers at the orphanage is the great composer Antonio Vivaldi, and under his tutelage Anna Maria learns to play the violin and find happiness. To learn more about the author and her books visit her website at www.shefelmanbooks.com.

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Au début du mois a été publié  un livre d’enfants intitulé Anna Maria's Gift à Austin, au Texas, dont le lancement a été célébré à une librairie indépendante du centre-ville, Book People. L’auteure, Janice Shefelman, a déjà plusieurs livres d’enfants à son actif, parmi lesquels I, Vivaldi, qui vise également à stimuler l’intérêt des enfants pour la musique classique. Publié en 2008 par Eerdmann's Books for Young Readers, cet ouvrage contient de jolies illustrations réalisées par le mari de l’auteure, Tom.

Quant à Anna Maria's Gift, ce livre est publié par Random House avec des illustrations de Robert Papp. Dans ce vidéoclip tourné au lancement, l’auteure lit un passage de son œuvre et Gelsomina Meglino joue du Vivaldi. Le livre raconte l’histoire d’une jeune fille qui est placée dans un orphelinat à Venise après le décès de son père. L’un des enseignants est le grand compositeur Antonio Vivaldi, avec l’aide de qui Anna Maria apprend à jouer du violon et retrouve le bonheur. Pour en savoir davantage sur l’auteure et son œuvre, visitez son site Web à www.shefelmanbooks.com.


 - Paul E. Robinson; Traduction par Anne Stevens

Soprano Anneliese Rothenberger (19 June 1926 - 24 May 2010) sings Sophie in the Final Trio from Der Rosenkavalier / La soprano Anneliese Rothenberger (19 juin 1926-24 mai 2010) chante Sophie dans le Trio final de Der Rosenkavalier

On Monday May 24, the opera world lost a fine singer in soprano Anneliese Rothenberger, who passed away in Munsterlingen, Switzerland after a brief illness. Rothenberger had a high soprano of crystalline beauty, ideal in soubrette and light lyric roles of Mozart and Strauss. She also was highly regarded in operettas as well as contemporary music, venturing into the works of Henze, Berg, Hindemith, Orff and Pfitzner.  A beautiful woman and a fine actress, her Lulu was considered a sensation.  Born in Mannheim, Germany, Rothenberger studied with Erika Muller and made her debut in Koblenz in 1943. Later she joined the Hamburgische Staatsoper. She also guested in Salzburg Festival, Munich, the Wiener Staatsoper and the Metropolitan Opera in New York. Perhaps her most famous role was Sophie in Der Rosenkavalier.  As a tribute to her, here is the Final Trio, with Elisabeth Schwarzkopf as the Marschallin and Sena Jurinac as Octavian, conducted by Herbert von Karajan, captured in a 1960 film. It is sad that Schwarzkopf, Karajan and now Rothenberger are no longer with us.  But their artistry lives on.

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Le 24 mai, le monde opératique a perdu l’une de ses grandes chanteuses, la soprano Anneliese Rothenberger qui a succombé à une brève maladie à Münsterlingen en Suisse. Elle avait une voix de soprano puissante et pure comme le cristal qui était idéal pour jouer les rôles soubrettes et lyriques de Mozart et de Strauss. De plus, elle était hautement estimée comme chanteuse d’opérettes et de musique contemporaine, s’aventurant dans les œuvres d’Henze, Berg, Hindemith, Orff et Pfitzner. Elle était belle femme et une excellente actrice, son interprétation de Lulu était sensationnelle. Née à Mannheim en Allemagne, elle étudie le chant avec Erika Müller et elle amorce sa carrière à Coblence en 1943. Plus tard, elle se joint au Hamburgische Staatsoper. Elle est aussi une invitée du Festival de Salzbourg, du Festival de Munich, du Wiener Staatsoper et du Metropolitain Opera de New York. Son rôle le plus célèbre était peut-être celui de Sophie dans Der Rosenkavalier. Afin de lui rendre hommage, voici le Trio final, filmé en 1960, avec Elisabeth Schwarzkopf dans le rôle de la Maréchale et Sena Jurinac dans le rôle d’Octavian sous la baguette d’Herbert von Karajan. C’est triste que Schwarzkopf, Karajan et maintenant Rothenberger ne soient plus parmi nous. Mais, leurs talents artistiques seront toujours parmi nous.

- Joseph K. So; Traduction par Robert Scott

Philip Glass - Mad Rush

Philip Glass playing Mad Rush - from the television production Two Moon July (1986)

- Michael Vincent

Fray and Sokolov at Verbier / Fray et Sokolov au Verbier

In this edited video from medici.tv, you get to see French pianist David Fray at work with Russian violinist Valeriy Sokolov in Beethoven's Violin Sonata No. 7. Their live concert was recorded from the Verbier Festival on July 18, 2009.

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Dans ce vidéoclip de www.medici.tv, le pianiste français David Fray est à l’œuvre avec le violoniste russe Valeriy Sokolov dans la Sonate pour violon n^o7 de Beethoven. Leur concert fut enregistré lors du Verbier Festival, le 18 juillet 2009. 

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Robert Scott

The Emerson Quartet: The Early Years / Le Quatuor Emerson : les premières années

The Emerson Quartet is today the most recorded and most respected of string quartets. Their standard of performance is second to none. But even famous ensembles have humble beginnings. The Emerson Quartet was founded in 1976 and a documentary was made about the group shortly afterwards. Here is an excerpt from that documentary. The personnel is exactly the same as it is today but looking back now the faces are barely recognizable. We look in on the Emerson Quartet rehearsing the Ravel Quartet at Martha's Vineyard.

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Le Quatuor Emerson est l’un des quatuors à cordes les plus enregistrés et les plus respectés de notre époque. Leur niveau de prestation est exceptionnel. Cependant, même les ensembles réputés connaissent des débuts modestes. Le Quatuor Emerson fut créé en 1976 et peu après un documentaire fut réalisé sur le groupe. Voici un extrait de ce documentaire. Les membres du groupe sont toujours les mêmes aujourd’hui, mais en rétrospective, leurs visages sont à peine reconnaissables. Dans ce vidéoclip, ils répètent le Quatuor de Ravel à Martha’s Vineyard. 

- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

Tennstedt Conducts Wagner / Tennstedt dirige Wagner

For many years Klaus Tennstedt (1926-1998) built his career entirely behind the Iron Curtain, in East Germany. Then one day he began to conduct orchestras elsewhere and the world discovered one of the great interpreters. He made his North American debut conducting the Toronto Symphony in 1974, at the age of 46. But almost as soon as he began to be recognized and appreciated he suffered one medical problem after another, and ultimately he was forced to give up conducting entirely. His greatest years were with the London Philharmonic in the 1980s. In this video he leads the LPO in a noble and thrilling performance of Siegfried's Funeral March from Wagner's Goetterdaemmerung. Part way through you will hear a loud noise. I would guess that Tennstedt inadvertently hit his music stand with his baton, and the stand ended up several feet lower than its original position. Neither Tennstedt nor the musicians appear to pay the slightest attention and the performance continues through to the end. During the applause you can see how low the music stand had fallen and Tennstedt gestures to one of the musicians to raise it to its original position before the next item on the programme. One of the hazards of live performance.

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Une grande partie de la carrière de Klaus Tennstedt (1926-1998) s’est déroulée en Allemagne de l’Est. Mais dès qu’il a commencé à diriger des orchestres en deçà du rideau de fer, le monde a découvert un grand musicien. Sa première nord-américaine, il l’a eue à l’âge de 46 ans, en 1974, à la tête de l’Orchestre symphonique de Toronto. Malheureusement, le début de sa reconnaissance internationale a coïncidé avec l’apparition de problèmes médicaux en cascade qui l’ont forcé à abandonner le podium. L’apogée de sa carrière a eu lieu dans les années 1980, alors qu’il dirigeait l’Orchestre philharmonique de Londres. Dans ce vidéoclip, on le voit en train de diriger le LPO dans une performance empreinte de noblesse et de fougue de la Marche funèbre de Siegfried, tirée du Crépuscule des dieux de Wagner. À un moment donné, on entend un grand bruit. Je pense que Tennstedt a heurté le pupitre avec sa baguette par mégarde, le faisant descendre de plusieurs pieds. Cela n’a aucun effet ni sur Tennstedt, ni sur ses musiciens, et la représentation se poursuit comme si de rien n’était. Pendant les applaudissements, on voit que le pupitre est vraiment très bas, et Tennstedt fait signe à un des instrumentistes de le remettre à la bonne position avant de poursuivre son programme. Un des aléas des concerts « sur le vif »!

- Paul E. Robinson; Traduction par Anne Stevens

British soprano Dame Anne Evans sings Wagner's Wesendonck Lieder No. 5 "Traume" / La soprano anglaise Anne Evans dans « Träume », cinquième chant des Wesendonck Lieder de Wagner

This Friday, May 22, is the birthday of Richard Wagner, who was born in Leipzig, Germany 197 years ago. It is said that more books, articles, conference papers, documentaries etc. have been written on Wagner than any other personage in history except Jesus Christ.  Whether that is true or not, it is undeniable the influence Wagner had on the history of opera and classical music in general. Currently, the COC is staging his Der fliegende Hollander. There are plenty of Wagner operas that still have not been performed in Canada, chief among them Parsifal and Tannhauser.  Even Tristan und Isoldehas not been performed by the COC for something like 25 years. I have heard a rumour that the company plans to stage this in the near future, great good news for all the Wagner fans in Canada!  To mark his birthday on Friday, I have chosen his divine Wesendonck Lieder No. 5, "Traume", which is a study for Tristan which Wagner was to compose later in his life. There are plenty of great interpreters of this song cycle. It sits quite low in the range, so it is suitable for both sopranos and mezzos.  Very occasionally, even tenors - like Ben Heppner - have taken a crack at it, but it really is the domain of the female voice. It is set to poetry by Mathilde Wesendonck,  with whom Wagner allegedly had an affair.  Not great poetry, but suitably Romantic for its time. I have chosen retired British soprano Dame Anne Evans's singing of this at the Proms in 1994 with the BBC Wales Orchestra. I saw Dame Anne as Brunnhilde in the Kupfer Ring in 1992 in Bayreuth. Her youthful appearance and lyrical sound was a pleasant departure from the large voiced - and large bodied - dramatic sopranos one usually encounters.  She sings "Traume" with lovely tone and depth of feeling, a performance to honour and enjoy.  

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Samedi 22 mai était l’anniversaire de Richard Wagner, né à Leipzig, en Allemagne, il y a 197 ans. Il paraît qu’il existe plus de livre, d’articles, de mémoires, de documentaires, etc. sur ce compositeur que sur n’importe quel autre personnage dans l’histoire à part Jésus-Christ. Quoi qu’il en soit, on ne peut nier l’influence qu’il a exercée sur l’opéra et la musique classique en général. La Canadian Opera Company (COC) a monté Le Vaisseau fantôme, mais bien d’autres œuvres de Wagner n’ont encore jamais été représentées au Canada, en particulier Parsifal et Tannhauser. Par ailleurs, il y a plus de 25 ans que la COC a donné Tristan et Isolde, mais la rumeur court que ce sera fait dans un avenir proche : quelle bonne nouvelle pour tous les admirateurs de Wagner au Canada! En l’honneur de son anniversaire, j’ai choisi le sublime cinquième chant, « Träume », des Wesendonck Lieder, une étude pour Tristan et Isolde datant d’avant la composition de cet opéra. Plusieurs grands interprètes ont donné leur version de ce cycle de chants d’un registre plutôt grave, convenant autant aux sopranos qu’aux mezzos. Quelques rares ténors, parmi lesquels Ben Heppner, ont abordé cette œuvre, mais elle demeure l’apanage des voix féminines. Les textes sont de Mathilde Wesendonck, avec qui Wagner aurait eu une liaison. Ce n’est pas de la grande littérature, mais ces poèmes sont représentatifs de l’époque romantique. J’ai choisi la version de la soprano anglaise Dame Anne Evans, depuis retraitée, qui a chanté cette œuvre aux Proms de 1994 avec l’Orchestre de la BBC Wales. Je l’ai vue incarner Brunnhilde dans le Ring de Kupfer en 1992 à Bayreuth. Sa silhouette juvénile et sa sonorité lyrique formaient un agréable contraste par rapport aux plantureuses sopranos dramatiques à la voix puissante qu’on a l’habitude d’entendre dans ce rôle. Elle chante « Träume » avec une tonalité exquise et une profondeur de sentiment qui forcent l’admiration.

- Joseph K. So; Traduction par Anne Stevens

Birdsong in Messiaen / Messiaen et le chant des oiseaux

From the Philharmonia Orchestra's Messiaen website. A film exploring Olivier Messiaen's use of birdsong in his music, particularly Oiseaux exotiques.

For more please visit: www.philharmonia.co.uk/messiaen

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Dans le site Web de l'Orchestre Philharmonia consacré à Olivier Messiaen, on trouve un film qui traite de l'utilisation des chants d'oiseaux dans ses œuvres, en particulier Oiseaux exotiques.

Pour en savoir davantage, visitez www.philharmonia.co.uk/messiaen

- Michael Vincent; Traduction par Anne Stevens

Capucon and Montero's making of Rhapsody / Capuçon et Montero présentent Rhapsody

This EMI Classics video takes you backstage of a recording session of French cellist Gautier Capucon and Venezuelan pianist Gabriela Montero's CD, Rhapsody. The program is devoted to Rachmaninov and Prokofiev, and features the Cello Ssonata by each composer. Also included on the disc are arrangements of Rachmaninov's Vocalise and the Rhapsody on a theme of Paganini by Capucon and Montero.

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Produit par EMI Classics, ce vidéoclip présente une session d'enregistrement du CD Rhapsody avec le violoncelliste français Gautier Capuçon et la pianiste vénézuelienne Gabriela Montero, consacré aux sonates pour violoncelle de Rachmaninov et de Prokofiev, ainsi qu'à des transcriptions de la Vocalise et de la Rhapsodie sur un thème de Paganini de Rachmaninov.

 

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Anne Stevens

Thomas Hampson Talks About Mahler / Thomas Hampson parle de Mahler

American baritone Thomas Hampson is justly famous for his frequent appearances at the Met and for his commitment to American song, but he is also an authority on the music of Mahler. He recorded many of Mahler's great orchestral song cycles more than twenty years ago with Leonard Bernstein and the Vienna Philharmonic, and he is still very much in his prime as we approach the centenary of Mahler's death next year. Hampson is sure to be prominent in the the worldwide commemorations.

In this video Hampson talks about various aspects of Mahler's orchestration. He is convinced that there is a specific meaning in Mahler's choice of this or that instrument to convey his thoughts and feelings. This interview was recorded during rehearsals for performances of Mahler's Songs of a Wayfarer with Christoph Eschenbach and the Orchestre de Paris. Hampson speaks in English and there are French subtitles.

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Le baryton américain Thomas Hampson est, à juste titre, célèbre pour ses nombreuses performances au Met et pour sa défense et illustration des compositions vocales américaines. Il fait également autorité en ce qui concerne la musique de Mahler. D’ailleurs, il a enregistré de nombreux cycles de chants avec orchestre de Mahler il y a plus de vingt ans avec Leonard Bernstein et la Philharmonie de Vienne. Il demeure tout aussi productif alors qu’on approche le centenaire du décès de Mahler l’an prochain. Hampson aura sûrement un rôle de premier plan à jouer dans les commémorations internationales.  

Dans ce vidéoclip, Hampson parle de divers aspects de l’orchestration de Mahler. Il est convaincu qu’il y a un sens bien précis au choix de tel ou tel instrument par le compositeur pour communiquer ses idées et ses sentiments. L’entrevue a été enregistrée pendant les répétitions pour un concert des Lieder eines fahrenden Gesellen de Mahler avec Christoph Eschenbach et l’Orchestre de Paris. Hampson s’exprime en anglais, et le vidéoclip est sous-titré en français.

- Paul E. Robinson; Traduction par Anne Stevens

Eugen Jochum Conducts Bruckner / Eugen Jochum dirige Bruckner

When I was young and discovering the wonders of Bruckner symphonies the name of Eugen Jochum (1902-1987) had very special significance. He recorded all the Bruckner symphonies for Deutsche Grammophon with either the Berlin Philharmonic or the Bavarian Radio Symphony, and these performances were considered to be definitive. He was the first conductor of the Bavarian Radio Symphony in Munich and made this orchestra a superb ensemble, second only to the Berlin Philharmonic in Germany. He also had a long association with the Concertgebouw Orchestra in Amsterdam.

During a U.S. tour by Jochum and the Bamberg Symphony I tried to arrange a radio interview with the great conductor. The only opportunity that could be found was during the orchestra's bus trip from New York to Lancaster, Pennsylvania. Not the best arrangement but at the time I thought it was worth the effort. So there I was, tape recorder in hand, sitting next to Eugen Jochum as we made our way out of New York City, through the Holland Tunnel and along various interstates to Lancaster. It was a memorable experience but perhaps most of all because the road noise was so loud I ended up with nothing that could be used for broadcast. Fortunately, the concerts were wonderful—a noble Brahms First Symphony at Carnegie Hall and Beethoven's Eroica Symphony in Lancaster.

This video documents Jochum's interpretation of Bruckner's Symphony No. 7, the work with which he made his conducting debut in 1926. In the video he conducts the Bavarian Radio Symphony. Jochum emphasized the spiritual side of Bruckner but also fully realized the drama in the music. If you have ever wondered what Wagner tubas look like there is a good shot of them near the beginning of this performance of the second movement. They are seated next to the double basses.

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Quand j’étais jeune et émerveillé  par la découverte des symphonies de Bruckner, le nom d’Eugen Jochum (1902-1987) avait une grande résonnance. En effet, il avait enregistré toutes les symphonies de Bruckner pour Deutsche Grammophon, soit avec la Philharmonie de Berlin, soit avec l’Orchestre symphonique de la radio de Bavière, et ces interprétations étaient considérées comme définitives. Tout premier chef de la formation bavaroise, il avait fait d’elle un ensemble magnifique, surpassé en Allemagne uniquement par sa rivale berlinoise. Jochum a également été longuement associé au Concertgebouw d’Amsterdam. 

Pendant une tournée américaine de la Symphonie de Bamberg sous la direction de Jochum, je désirais obtenir une entrevue radiophonique avec le grand chef. On a fini par me laisser l’interviewer pendant le trajet de l’orchestre en autocar de New York à Lancaster, en Pennsylvanie. Ce n’était pas idéal, mais on ne pouvait faire mieux. J’ai pris place aux côtés d’Eugen Jochum avec mon magnétophone, alors que nous filions par monts et par vaux. Une expérience mémorable, mais il y avait tant de bruit ambiant que mon enregistrement était inutilisable. Heureusement, les concerts eux-mêmes étaient merveilleux : une majestueuse Première Symphonie de Brahms à Carnegie Hall et une splendide Symphonie Héroïque de Beethoven à Lancaster. 

Ce vidéoclip documente l’interprétation de la Septième Symphonie de Beethoven, l’œuvre qui a marqué les débuts de Jochum sur le podium en 1926. Ici, il dirige l’Orchestre symphonique de la radio de Bavière. Jochum soulignait le côté spirituel de Bruckner, mais sans oublier le sens dramatique de la musique. Si vous vous demandiez à quoi ressemblent les tubas wagnériens, observez-les au début du deuxième mouvement, tout près des contrebasses. 

- Paul E. Robinson; Traduction par Anne Stevens

Alexandrina Pendatchanska sings "D'Oreste, d'Ajace" from Idomeneo / Alexandrina Pendatchanska chante D’Oreste, d’Ajace d’Idoménée

One of most exciting singers today is Bulgarian soprano Alexandrina Pendatchanska. Toronto audiences have a chance right now to hear her as Elisabetta in Donizetti's Maria Stuarda.  The voice is a rare one—a dramatic coloratura with gleaming tone and steely power at the top. Her acting as Elisabetta is deliciously over-the-top, like Bette Davis and Joan Crawford rolled into one—you can't take your eyes off her. She also takes vocal risks. In the performance of Stuarda I attended last week, she went from a triple forte to a ppp in a split second, taking my breath away. The chest register tends to be a bit pushed, and the sound isn't huge, but there is no denying that everything she does is exciting. Here is Pendatchanska singing Elettra's aria "D'Oreste, D'Ajace" from Idomeneo, currently also on the COC stage. This aria is as close to a mad scene as any from Mozart. In Act 3, when Elettra loses her beloved Idamante to her rival Ilia, she wishes for her own death. This role has had some great interpreters, with the German soprano Edda Moser at the top of the list. Pendatchanska is right up there among the very best.

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La soprano bulgare Alexandrina Pendatchanska est l’une des chanteuses les plus passionnantes actuellement. Les auditoires de Toronto ont en ce moment l’occasion de l’entendre dans le rôle d’Elisabetta de l’opéra Maria Stuarda de Donizetti. Sa voix est une perle rare; une colorature spectaculaire d’un ton éclatant et d’une forte puissance au début. Sa manière de jouer Elisabetta est délicieusement exagérée, comme un mélange entre Bette Davis et Joan Crawford, on ne peut pas la quitter des yeux. Elle prend aussi des risques vocaux. Dans la prestation de Maria Stuarda que j’ai vue la semaine dernière, elle est passée d’un fortississimo à un pianississimo en une fraction de seconde ce qui m’a coupé le souffle. Son registre de poitrine a tendance à être un peu forcé et le son n’est pas énorme, mais il est impossible de nier que tout ce qu’elle fait est passionnant. Dans ce vidéoclip, elle chante l’aria d’Électre D’Oreste, d’Ajace d’Idoménée présenté en ce moment par la Compagnie d’opéra canadienne. Cette aria se rapproche le plus possible à une scène de folie de Mozart. Dans le troisième acte, au moment où Électre perd son bien-aimé Idamante à sa rivale Ilia, elle souhaite mettre fin à ses jours. Ce rôle a connu de grandes interprètes avec la soprano allemande Edda Moser en tête de liste. Alexandrina Pendatchanska se tient parmi les meilleures.

- Joseph K. So; Traduction par Robert Scott

Mason Bates - YouTube Symphony Orchestra / Mason Bates et l’Orchestre symphonique de YouTube

Preview of Warehouse Medicine from B-Sides as performed by Composer and DJ Mason Bates with the YouTube Symphony Orchestra @ Carnegie Hall. Commissioned by the San Francisco Symphony, 2008. World premiere May 20, 2009.

Selected by the YouTube community and several members of the world's most renowned orchestras, the YouTube Symphony Orchestra is made up of over 96 professional and amateur musicians from 30+ countries and territories on six continents and represents 26 different instruments.

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Voici un aperçu du dernier mouvement Warehouse Medicine de la pièce The B-Sides interprété par le compositeur et DJ Mason Bates avec l’Orchestre symphonique de YouTube au Carnegie Hall. Cette oeuvre fut commandée par l’Orchestre symphonique de San Francisco en 2008. Elle eut sa première mondiale le 20 mai 2009.   


Sélectionné par les membres de la communauté YouTube ainsi que par plusieurs musiciens des plus grands orchestres du monde, l’Orchestre symphonique de YouTube compte plus de 96 musiciens professionnels et amateurs qui proviennent d’une trentaine de pays et territoires repartis sur six continents et comprend 26 instruments différents. 

- Michael Vincent; Traduction par Robert Scott

Lynn Harrell teams up with Yuja Wang

1st Mvt.:

2nd Mvt.: http://www.youtube.com/watch?v=Ztl-Ql2XqN0

3rd Mvt.: http://www.youtube.com/watch?v=L6XSBhNKrAI

4th Mvt.: http://www.youtube.com/watch?v=8kcn1OVplg4 

In this recently made available video, we get to see veteran cellist Lynn Harrell playing the daunting Cello Sonata in G minor, Op. 19 by Rachmaninoff with fast-rising young pianist Yuja Wang. The duo's live performance took place at the 2008 Santa Fe Chamber Music Festival in New Mexico. The audio and video of the clips were produced and engineered by Matthew Snyder of Matthew Snyder Recordings.

- L.H. Tiffany Hsieh

Floods Ravage Home of the Nashville Symphony / Des inondations endommagent le Schermerhorn Symphony Center à Nashville

In September 2006 the Nashville Symphony moved into its new $220 million home in downtown Nashville. The Schermerhorn Symphony Center was a beautiful building, modelled after some of the great concert halls in Europe. Critics raved about the acoustics. Now, less than four years later, the building has been severely damaged by the worst flooding Nashville has seen in a generation. The Cumberland River flows through the city and years ago the town experienced serious spring flooding almost every year. Finally, a series of levees were build to end the flooding once and for all. Unfortunately, no one could have foreseen rainfall of near Biblical proportions. Twenty inches fell in less than twenty-four hours, and the river burst its banks and flowed in all directions. The famous Grand Ole Opry House, a mecca for country music stars and their fans, has suffered major damage.


The magnificent Schermerhorn Symphony Center, like most of the downtown area, could not hold back the raging waters. The basement of the hall filled up with 12 to 14 feet of water. Two grand pianos have been lost as well as much of the mechanical apparatus for the pipe organ. As far as is known the water did not enter the auditorium itself but at the very least the hall will be unusable by the Nashville Symphony for many months to come.

The video was made around the time of the opening of the Schermerhorn Symphony Center in 2006.

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En septembre 2006, le Nashville Symphony emménagea dans sa nouvelle salle de concert de 220 millions de dollars située au centre-ville de Nashville. Le Schermerhorn Symphony Center était un beau bâtiment qui fut inspiré par les grandes salles de concert d’Europe. L’acoustique de la salle reçut d’excellentes critiques. Maintenant, moins de quatre ans plus tard, le bâtiment est sévèrement endommagé par la pire inondation à Nashville depuis une génération. Il y a plusieurs années, la ville qui est traversée par la rivière Cumberland connut de graves inondations printanières presque annuellement. Finalement, une série de levées fut construite pour mettre fin aux inondations une fois pour toutes. Malheureusement, personne n’aurait pu prévoir des pluies diluviennes comme celles-ci. Plus de 50 centimètres d’eau sont tombés dans l’espace de 24 heures causant la rivière à sortir de ses berges et à se répandre dans toutes les directions. Le célèbre Grand Ole Opry House, la mecque de la musique country, a subi d’importants dommages.

Le magnifique Schermerhorn Symphony Center, comme la majeure partie du centre-ville, n’a pas pu éviter l’inondation. Le sous-sol de la salle de concert a reçu 3 à 4 mètres d’eau. Deux pianos à queue ainsi que la majeure partie du dispositif mécanique du grand orgue ont été détruits par l’inondation. À ce que l’on sache, l’eau n’a pas pénétré l’auditorium, mais le Nashville Symphony ne pourra pas se servir de la salle pendant de nombreux mois à venir, au minimum.


Ce vidéoclip fut enregistré  peu après l’ouverture du Schermerhorn Symphony Center en 2006. 

- Paul E. Robinson

In Memory of Rob McConnell - One of the Jazz Greats / En mémoire de Rob McConnell, un des grands du jazz

 

Rob McConnell passed away this week at the age of 75. Beyond question he was one of the most important jazz players of his generation. For those of us who lived in Toronto, Rob was a towering presence, and his band, the now legendary Boss Brass, was one of the most innovative and exciting ensembles to be heard anywhere.

When I was music director at CJRT-FM (1972-92), Rob was a frequent visitor to our studios. As folks of my generation may recall, CJRT-FM was an educational radio station which broadcast courses through Open College, it had its own professional orchestra, and under Ted O'Reilly's direction it played jazz late at night and all day Saturday. The station presented many classical and jazz concerts and recorded many more at venues in Toronto and around the province of Ontario. One of the most memorable concerts we ever created featured the 22-piece Boss Brass and the 80-piece CJRT Orchestra together on the stage of Massey Hall in 1984. What made the evening even more special was that CJRT had commissioned six composers to write new pieces for the occasion. I conducted three of the six new works and Rob conducted the others, including a piece of his own. The 'classical' composers represented were Louis Applebaum, Harry Freedman and Victor Davies. It was a proud occasion for all of us at CJRT, and for me personally it was a thrill to be making music with Rob and the incomparable musicians in his band. As a footnote to this historic event, it should be noted that the Boss Brass was unique among jazz bands in including two french horns. As it happened, one of the musicians involved that night had a dilemma. He was a french horn player and he was a member of both orchestras. What to do? In the end he decided to sit with the Boss Brass, mainly because no other french horn player in town could be found to replace him in such unfamiliar territory.

Toronto has always been one of the great jazz centres of North America, at least since the halcyon days of the House of Hambourg. Rob was nurtured by that tradition and added to it with his unique compositional voice - what an ear for fresh chords and instrumental colours - his driving valve trombone playing, his genius for creating a great band and the dedication to keep it going in hard times, and for his endearing sense of humour.

This video of "The Waltz I Blew For You" was made by Rob McConnell and the Boss Brass in 1981 at Howard Rumsey's Concerts by the Sea in California.

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Rob McConnell est décédé cette semaine à l’âge de 75 ans. Sans aucun doute, il fut l’un des plus importants musiciens de jazz de sa génération. Pour ceux qui ont vécu à Toronto, Rob fut une figure dominante et son orchestre, le célèbre Boss Brass fut l’un des ensembles de jazz les plus novateurs et passionnants à se faire entendre.  

Lorsque j’assumais les fonctions de directeur musical pour la station de radio CJRT-FM (1972-1992), Rob était un invité régulier dans nos studios. Comme les gens de ma génération s’en souviennent peut-être, CJRT-FM était une station de radio éducative qui diffusait des cours à travers Open College. La station avait son propre orchestre professionnel et sous la direction de Ted O’Reilly, elle jouait du jazz en soirée et durant toute la journée le samedi. La station présenta de nombreux concerts de musique classique et de jazz et elle en enregistra plusieurs autres dans des salles de spectacles à travers Toronto et l’Ontario. L’un des concerts les plus mémorables que nous avons présentés mettait en vedette le Boss Brass, un ensemble de 22 musiciens, et le CJRT Orchestra, un ensemble de 80 musiciens, simultanément sur la scène du Massey Hall en 1984. Cette soirée se démarqua par le fait que CJRT avait demandé à six compositeurs d’écrire de nouvelles pièces pour l’événement. J’ai dirigé trois des six œuvres et Rob a dirigé les autres, incluant une de ses pièces. Les compositeurs « classiques » jouer furent Louis Applebaum, Harry Freedman et Victor Davies. Ce fut un moment de grande fierté pour nous tous à CJRT et ce fut très excitant pour moi de faire de la musique avec Rob et ses musiciens incomparables. Il faut mentionner que le Boss Brass était un ensemble unique dans le monde du jazz parce qu’il était composé de deux cors français. Cette soirée-là, l’un des musiciens eut un dilemme. Il jouait le cor français et était un membre des deux orchestres. Que faire? Il décida de jouer avec le Boss Brass principalement parce qu’il n’avait pas d’autres joueurs de cor français en ville qui pouvait le remplacer dans cet orchestre original.   

Toronto a toujours été l’une des grandes villes de jazz de l’Amérique du Nord, du moins depuis les beaux jours du House of Hambourg. Le talent de Rob fut cultivé par cette tradition et il la renforça avec son style de composition unique (quelle oreille pour les accords originaux et les couleurs instrumentales), son jeu coulissant de trombone, son sens de l’humour engageant et son intelligence pour avoir fondé un grand orchestre et pour avoir persévéré avec en moments difficiles.    

Ce vidéoclip de The Waltz I Blew For You fut enregistré par Rob McConnell et le Boss Brass en 1981 au club de jazz Concert by the Sea d’Howard Rumsey en Californie. 

- Paul E. Robinson; Traduction par Robert Scott

John Mark Ainsley sings "Fuor del Mar" from Idomeneo / John Mark Ainsley chante Fuor del mar d’Idoménée

The Canadian Opera Company's revival of Idomeneo opens this Sunday. Mozart was only 24 when he composed this work, his first successful opera seria. It had its premiere at the Cuvillies Theater in Munich in 1781. Located just around the corner from the National-Theater (where the Bavarian State Opera performs) in the Residenz, Cuvillies underwent major renovations and reopened two years ago during the Munich Opera Festival with a new production of Idomeneo. I had the pleasure of seeing a performance there with British tenor John Mark Ainsley in the title role. It was videotaped for DVD release. To mark its revival at the COC, here is Ainsley singing the bravura "Fuor del Mar", one of the greatest - and most difficult - of tenor arias in all of opera. Idomeneo is a heroic tenor role, requiring a substantial voice to sing incredibly florid music for over 6 minutes. Many tenors like Pavarotti and Domingo sing a simplified version, but the best (tenors Rockwell Blake, Ramon Vargas, Francisco Araiza, and Jonas Kaufmann among them) always sing the original version. Ainsley's singing here is exemplary, with near perfect intonation and fantastic fioritura. American tenor Paul Groves, a Mozart specialist celebrated for his elegant style, is COC's Idomeneo. I think the Toronto audience is in for a treat. 

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Ce dimanche, la Compagnie d’opéra canadienne ramène sur scène Idoménée. Mozart n’avait que 24 ans lorsqu’il composa cette œuvre et fut son premier opéra seria à connaître du succès. La première de l’opéra eut lieu au théâtre Cuvilliés à Munich en 1781. Le théâtre Cuvilliés qui est situé tout près du Nationaltheater München (où l’Opéra d’État de Bavière joue) au sein de la résidence de Munich connut des rénovations importantes et rouvrit il y a deux ans lors du Festival d’opéra de Munich avec une nouvelle production d’Idoménée. J’ai eu le plaisir de voir la prestation du ténor britannique John Mark Ainsley dans le rôle-titre. Ce concert fut enregistré sur DVD. Afin de souligner la reprise de cet opéra par la COC, voici M. Ainsley qui chante Fuor del mar, l’une des plus grandes et des plus difficiles arias pour ténor de tous les opéras. Idoménée est un rôle de ténor hardi qui demande une grosse voix pour chanter un air incroyablement orné pendant plus 6 minutes. De nombreux ténors comme Pavarotti et Domingo chantent une version simplifiée, mais les meilleurs ténors (Rockwell Blake, Ramon Vargas, Francisco Araiza et Jonas Kaufmann en autres) chantent toujours la version originale. Dans ce vidéoclip, le chant de John Mark Ainsley est exemplaire avec des intonations quasi parfaites et des fioritures fantastiques. Le ténor américain Paul Groves, un spécialiste de Mozart, qui est réputé pour son style élégant incarne le rôle d’Idoménée dans la production de la COC. Je crois que les spectateurs de Toronto vont être gâtés.

- Joseph K. So; Traduction par Robert Scott

Sequenza21 interviews: Hilary Hahn and Judd Greenstein / Les interviews de Sequenza21 : Hilary Hanh et Judd Greenstein

Hilary Hahn interviews composers for the contemporary classical music site Sequenza21 once a month. Hilary and Judd discuss self-presenting, artist-driven labels and the indie classical scene.

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Une fois par mois, Hilary Hanh interviewe des compositeurs pour le site de musique classique contemporaine www.Sequenza21.com. Hilary et Judd parlent de l’autoprésentation des artistes, des maisons de disques axées sur les artistes et de la scène de musique classique indépendante.

- Michael Vincent; Traduction par Robert Scott

Schiff and Perényi on Debussy / Schiff et Perényi jouent Debussy

Watch Part 2 here!



This edited video shows the Hungarian-born British pianist András Schiff and Hungarian cellist Miklós Perényi performing Debussy's Cello Sonata at theFranz Liszt Academy of Music Budapest in 2008.

The clip ends ends with a text cue to the next piece on their program, which was Beethoven's Sonata for Cello and Piano in C major, Op. 102, No. 1. Unfortunately, you won't get to hear it here.

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Ce vidéoclip démontre le pianiste hongrois-britannique András Schiff et le violoncelliste hongrois Miklós Perényi qui interprètent la Sonate pour violoncelle et piano de Debussy à l’Université de musique Franz-Liszt à Budapest en 2008.   

À la fin du vidéoclip, un signal annonce le prochain morceau qui est à venir au programme, la Sonate pour violoncelle et piano en do majeur, op.102, n^o1 de Beethoven. Malheureusement, vous n’allez pas pouvoir l’écouter ici. 

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Robert Scott