In Memoriam: Mezzo Blanche Thebom (Sept. 19, 1915 - March 23, 2010) / Hommage à la mezzo-soprano Blanche Thebom (19 septembre 1915 - 23 mars 2010)

American mezzo-soprano Blanche Thebom, who sang more than 350 performances at the Met, passed away on March 23, at the age of 94 in her home in San Francisco.  The cause of death was listed variously as heart failure and pneumonia.  A singer noted for her glamour as well as her exciting mezzo, Thebom was born in Pennsylvania of Swedish immigrant parents. She sang in church choirs as a youngster.  Legend has it that on a visit to Sweden with her parents in 1938, a pianist who accompanied contralto Marian Anderson heard Thebom sing and recommended that she study voice in New York with former Met soprano Edyth Walker. Thebom made her Met debut in 1944 and stayed until 1967. After her retirement, Thebom taught opera and trained young singers in Arkansas and later in California. She sang a wide-ranging repertoire, from Carmen to Dalila to Brangaene, including the legendary Furtwangler recording with Kirsten Flagstad and Ludwig Suthaus. She was also a famous Eboli - her "O don fatale" always brought down the house.  Here is Thebom in that great aria, complete with a brilliant, long-held high B-natural.  In this performance she didn't pay too much attention to note values as indicated in the score, holding onto the B flats and the B natural a lot longer than she should have.  Given it was a live concert filmed for American TV, I suppose she decided to go for broke!

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La mezzo-soprano américaine Blanche Thebom, qui a donné plus de 350 représentations au Met, est décédé le 23 mars à l'âge de 94 ans à son domicile de San Francisco, d’une défaillance cardiaque conjuguée à une pneumonie. Cette prestigieuse cantatrice est née en Pennsylvanie de parents qui avaient immigré de Suède. Pendant sa jeunesse, elle a chanter dans des chorales d'église. D'après la légende, lors d'une visite en Suède avec ses parents en 1938, un pianiste qui était l'accompagnateur de la contralto Marian Anderson a entendu M^me Thebom chanter et lui a suggéré de faire des études vocales à New York auprès d’une ancienne soprano du Met, Edyth Walker. M^me Thebom a fait ses débuts au Met en 1944 et sa carrière s'est poursuivie jusqu'en 1967. Après son départ à la retraite, elle a enseigné l'art lyrique et formé des jeunes chanteuses en Arkansas, puis en Californie. Son répertoire était très vaste, de Carmen à Dalila en passant par Brangäne, et elle a participé à l'enregistrement légendaire réalisé par Furtwangler avec Kirsten Flagstad et Ludwig Suthaus. Elle était également réputée pour sa façon de chanter l’air d’Eboli, « O don fatale ». La voici dans ce grand air où elle montre son souffle extraordinaire dans un magnifique si naturel. Dans cette représentation, elle ne faisait pas trop attention aux valeurs de notes qui sont indiquées dans la partition, puisqu'elle a tenu les si bémol et le si naturel bien plus longtemps qu'elle ne l'aurait dû. Je suppose qu'elle avait décidé d'y mettre le paquet parce que c'était un concert diffusé en direct à la télévision américaine! 

- Joseph K. So; Traduction par Anne Stevens

John Adams' Doctor Atomic

John Adams
Doctor Atomic (2005)
"Batter my heart" (Act I closer)

The Metropolitan Opera, New York
October 2008

Gerald Finley as Robert Oppenheimer
MET Orchestra - Alan Gilbert, conductor

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John Adams
Doctor Atomic (2005) « Batter my heart » (fin du 1^er acte)

The Metropolitan Opera, New York
Octobre 2008

Gerald Finley dans le rôle de Robert Oppenheimer 
Orchestre du MET sous la direction d’Alan Gilbert 

- Michael Vincent; Traduction par Anne Stevens

Verbier Festival / Le Festival de Verbier

Chamber music doesn't get any better than this. In this edited video from the 2008 Verbier Festival in Switzerland, Martha Argerich (piano), Mischa Maisky (cello), Joshua Bell (violin), Henning Kraggerud (violin), and Yuri Bashmet (viola) perform the final movement of one of Shostakovich's best-known chamber works, his Piano Quintet in G minor, Op. 57.

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Voici le nec plus ultra de la musique de chambre. Dans ce vidéoclip réalisé en 2008 pendant le Festival de Verbier, en Suisse, Martha Argerich (piano), Mischa Maisky (violoncelle), Joshua Bell (violon), Henning Kraggerud (violon) et Yuri Bashmet (alto) exécutent le dernier mouvement d'une des œuvres de musique de chambre les plus connues de Chostakovitch, son Quintette pour piano en sol mineur op. 57.

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Anne Stevens

Stephen Sondheim Celebrates His 80th Birthday / Stephen Sondheim fête son 80e anniversaire

 

It is hard to believe that Stephen Sondheim, that ever-youthful composer and lyricist, celebrated his 80th birthday (March 22) this week. He has earned a permanent place in the pantheon of great creators for the American musical theatre. But more than that, he may well be simply a great composer and poet. His lyrics are not only clever; they are often insightful concerning the human condition. His music is deceptively simple yet original and refreshing. Sound familiar? Schubert comes to mind. But Schubert was never the man of the theatre that Sondheim became, contributing to some of the greatest American musicals of the past thirty years.

He began his career writing lyrics for Leonard Bernstein and West Side Story. Next came a collaboration with Julie Styne on Gypsy. Then he was on his own, writing his own music and lyrics for shows such as A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, A Little Night Music, Sweeney Todd, Into the Woods and so many other classics.

One of his best-known songs is "Send in the Clowns." In this video from many years ago he is seen coaching a student at the Guildhall School of Music in London. She sings beautifully and with great sensitivity but Sondheim helps her to really get inside the lyrics and the music, and the attention to detail makes all the difference. I find that Sondheim's creations bountifully repay close attention and repeated listening. Try it for yourself. And if you want another take on "Send in the Clowns", look for Barbra Streisand's performance on YouTube. Streisand at her best and that is, as they say, as good as it gets.

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Difficile de croire que l'éternellement jeune compositeur et parolier Stephen Sondheim vient de fêter son 80^e anniversaire, le 22 mars dernier! Il a mérité un siège permanent au panthéon des grands créateurs du théâtre musical américain. On peut dire qu'il est tout simplement un grand compositeur et poète. En plus d'être intelligents, ses textes nous font comprendre bien des choses sur la nature humaine. Sa musique peut sembler trompeusement simple, mais elle est en fait originale et rafraîchissante. Cela vous rappelle quelqu'un? Comme Schubert par exemple? Sauf que Schubert n'a jamais été un homme de théâtre comme Sondheim, qui a créé au cours des 30 dernières années certains des meilleurs musicals américains.    

Au début de sa carrière, il a rédigé  les textes de West Side Story pour Leonard Bernstein, puis, il a collaboré avec Julie Styne sur Gypsy. Après cela, il a travaillé seul, composant la musique et les textes pour des œuvres telles que A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, A Little Night Music, Sweeney Todd, Into the Woods et bien d'autres classiques du genre.   

L'une de ses chansons les plus connues s'intitule « Send in the Clowns ». Dans ce vidéoclip, qui date de plusieurs années, on le voit en train de conseiller une étudiante de l'école de musique Guildhall à Londres. Elle chante magnifiquement et avec beaucoup de tendresse, mais Sondheim l'aide à mieux percer les textes et la musique, et l’attention qu’il porte aux moindres détails fait toute la différence. À mon avis, une écoute attentive et répétée des œuvres de Sondheim permet de découvrir des trésors. Vous en jugerez. Pour entendre une autre version de « Send in the Clowns », cherchez celle de Barbra Streisand sur YouTube. Streisand y est au sommet de sa forme. Que demander de plus ?

- Paul E. Robinson; Traduction par Anne Stevens

Karajan Conducts Respighi in Japan / Karajan dirige Respighi au Japon

Early in 1984 Karajan was at war with his own orchestra, the Berlin Philharmonic. The major issue was the engagement of clarinettist Sabine Meyer. She was chosen by audition and approved by Karajan but then after a year's probation was rejected by the members of the orchestra. But Karajan found her playing very much to his liking and dug in his heels against the male chauvinists in the orchestra. At that time, there were no female members and the older players were not about to change that 'tradition.' Karajan regarded the players' rejection of Meyer as a challenge to his authority and the war was on. When the players wouldn't give in he cancelled concerts, tours and recordings with the BPO. For some of his scheduled film projects he hired the Vienna Philharmonic instead.

This situation went on for months until the two sides came to their senses and realized that their best interests lay in working together as before. Their musical rapprochement came in the form of two performances of Bach's B minor Mass at the Berlin Festival in September, 1984. Shortly afterwards they went to Japan together. This video was made at a tour concert given in Osaka on October 18, 1984. It is interesting because the video has never been released commercially. But more importantly, it documents a critical time in the historic relationship between Karajan and the orchestra. As you can see and hear, this performance of the final section from Respighi's Pines of Rome is tremendously powerful and is a fine example of how Karajan could build a climax. And after months of fighting with each other were Karajan and the members of the Berlin Philharmonic back on good terms? See for yourself. The musicians play as if their lives depended on it and at the end, after the final chord, Karajan smiles and even chuckles as if he couldn't believe his own ears what he and the orchestra could do together.

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Au début de 1984, Karajan était en guerre contre son orchestre, la Philharmonie de Berlin. Le principal enjeu de cette guerre était l'engagement de la clarinettiste Sabine Meyer. Elle avait été choisie sur audition et approuvée par Karajan, mais après une période d'essai d'un an elle avait été rejetée par les membres de l'orchestre. Toutefois, Karajan la trouvait très bonne et a décidé de tenir tête aux chauvins de son orchestre. À cette époque-là, celui-ci ne comptait aucune musicienne et les musiciens plus âgés n'étaient pas disposés à déroger à cette « règle ». Karajan considérait que le refus des musiciens était un défi à son autorité, et c'était donc la guerre. Face à l'entêtement des musiciens, il a annulé des concerts, des tournées et des enregistrements. Pour certains de ses projets cinématographiques, il a décidé de faire affaire avec la Philharmonie de Vienne.

 Cette situation s'est poursuivie pendant des mois, jusqu'à ce que les deux côtés se rendent compte qu'il était de leur intérêt de collaborer comme avant. Le rapprochement se fit lors de deux représentations de la Messe en si mineur de Bach au Festival de Berlin, en septembre 1984. La tournée au Japon date de peu de temps après, et ce vidéoclip a été réalisé à Osaka le 18 octobre 1984. Son intérêt réside dans le fait qu'il n'a encore jamais connu de diffusion commerciale et, surtout, parce qu'il témoigne d'une période critique dans la relation historique entre Karajan et l'orchestre. Comme vous pouvez le voir et l'entendre, cette performance de la dernière section de Pins de Rome de Respighi est époustouflante et montre bien le génie qu'avait Karajan de faire monter la tension à son paroxysme. Après des mois de guerre, Karajan et les membres de la Philharmonie de Berlin s'étaient-ils réconciliés ? Voyez par vous-même : les musiciens jouent avec un sentiment d'urgence, et à la fin, après le dernier accord, Karajan est tout sourire, comme s'il n'arrivait pas à en croire ses oreilles. 

- Paul E. Robinson; Traduction par Anne Stevens

Evergreen tenor Ermanno Mauro sings 'Cielo e Mar' / Le ténor éternellement jeune Ermanno Mauro dans «Cielo e Mar »

Since retiring from the stage over a dozen years ago, Canadian tenor Ermanno Mauro has been devoting his time and energy to teaching, - "passing the torch" to the next generation of singers. Among his students are fast-rising Metropolitan Opera tenor David Pomeroy and lyric-coloratura Sinead Sugrue. I have attended masterclasses given by Mauro on a number of occasions, and am always impressed with his willingness to give unstintingly his knowledge and wisdom to the next generation. Often, he would demonstrate a phrase, or sometimes even whole passages of the score - and at the age of 71, Mr. Mauro can still sing, very well thank you, with a large and vital sound. In fact, he will be a soloist in an opera concert given by Wish Opera, a new organization that combines music with fashion, art, dance, photography (www.wishopera.ca); Mauro will be joined by baritone James Westman and soprano Sinead Sugrue in an evening of operatic selections. It takes place on March 25 and 27, at 8 pm at the Sandra Faire and Ivan Fecan Theatre. It will be a rare opportunity to hear Mauro, as well as two wonderful young singers in Westman and Sugrue. Deirdre Kelly of Globe and Mail and author of Paris Time Eight will be the Emcee. Here is Ermanno Mauro singing 'Cielo e Mar', Enzo Grimaldi's beautiful aria from La Gioconda. This dates from 1988 in Barcelona - you won't find too many tenors today with such clarion, robust tone and powerful high notes. 

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Depuis qu'il a quitté  la scène, il y a une bonne douzaine d'années, le ténor canadien Ermanno Mauro consacre son temps et ses énergies à la relève, car il veut « passer le flambeau ». Parmi ses élèves, on compte le ténor David Pomeroy, qui connaît une carrière fulgurante au Met, et la colorature lyrique Sinead Sugrue. J'ai assisté à plusieurs classes de maître données par Mauro, et je suis toujours impressionné par sa générosité à transmettre son savoir et sa philosophie à la prochaine génération. Souvent, il montre comment chanter une phrase, ou parfois même un passage tout entier, et malgré ses 71 ans, M. Mauro chante encore très bien merci, avec une sonorité ample et vivante. En fait, il est l'un des solistes d'un concert d'opéra donné par une nouvelle organisation, Wish Opera, qui combine la musique avec la mode, les beaux-arts, la danse et la photographie (www.wishopera.ca), en compagnie du baryton James Westman et de la soprano Sinead Sugrue. Cet événement a eu lieu les 25 et 27 mars à la salle Sandra Faire et Ivan Fecan. C'était une chance rare d'entendre Mauro accompagné de deux étoiles montantes. Les soirées étaient animées par Deirdre Kelly, du Globe and Mail, auteur de Paris Time Eight. Voici Ermanno Mauro dans « Cielo e Mar », le magnifique air d’Enzo Grimaldi dans La Joconde. Réalisé à Barcelone, ce vidéoclip date de 1988, et on aurait du mal à trouver de nos jours un ténor qui peut chanter d'une façon aussi éclatante et avec une telle puissance.

- Joseph K. So; Traduction par Anne Stevens

AMY X NEUBURG: The Secret Language of Subways / La langue secrète du métro

Amy X Neuburg describes The Secret Language of Subways as “a song cycle about the inane and perpetually unfinished businesses of love and war — and New York.” A stylistically versatile, classically trained singer/composer with a four-octave range, Amy is best known for  performances with voice, electronic drums, and live looping in which she creates a chorus of layered voices and rhythms. Two years in the making, Subways consists of intricately composed, multiple layers of cellos topped by Amy’s distinctive and striking vocals; the songs range from intimate art-song ballads to electronics-based pop to Dadaist meanderings to lush symphonic arrangements. Sometimes the cellos are processed with electronic effects, other times heard in the expressive richness of their natural timbres. Neuburg explains:

"I conceived most of these songs while sitting on the subway during a 3-year period when I lived part-time in New York — inspired by the rhythmic lull of the train, the fragmented meanderings of my thoughts, the dramas of recent world and personal events, and the deluge of sensory input that is New York itself. New York at that time presented such a vivid example of how life, love and art continue to move forward with full force, in spite of (or perhaps encouraged by) the fears and uncertainties of war."

Performers: Amy X Neuburg & The Cello ChiXtet

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Amy X Neuberg décrit son œuvre The Secret Language of Subways, comme « un cycle de chansons sur quelque chose de fou et de jamais terminé : l'amour, la guerre – et New York ». Cette chanteuse et compositrice au style diversifié et à la formation classique, dont la voix possède une amplitude de quatre octaves, est connu pour ses performances avec voix, percussions électroniques et synchronisations en direct lui permettant de créer un choeur de voix et de rythmes diversifiés. Cette œuvre, qui lui a pris deux ans à composer, consiste en une variété de pages de violoncelle qui contrastent avec la voix distinctive de la chanteuse. Les chansons sont variées : ballades intimistes, pop électronique, fantaisies dadaïstes, arrangements symphoniques veloutés. Parfois, les violoncelles sont traités avec des effets électroniques, d'autres fois on se contente du naturel.

Voici ce qu’explique l'artiste : « J'ai composé la majorité de ces chansons alors que j'étais assise dans le métro, pendant une période de trois ans où je vivais à temps partiel à New York. J'étais inspirée par le rythme hypnotisant du train, les égarements de mes pensées, les drames de l'actualité mondiale et les tragédies personnelles, et le déluge de stimulations sensorielles qui fait de New York la ville qu'elle est. À cette époque, New York était un exemple parfait de la façon dont la vie, l'amour et l'art continuent d'avancer malgré les craintes et incertitudes de la guerre (ou peut-être à cause d'elles). » 

Musiciens : Amy X Neuburg et The Cello ChiXtet
 

- Michael Vincent; Traduction par Anne Stevens

Denis Matsuev and Borislav Stulev Groove it Up / Denis Matsuev et Borislav Stulev s'amusent

Russian pianist Denis Matsuev stormed Toronto last week, playing Rachmaninoff's Piano Concerto No. 3 with the Mariinsky Orchestra under conductor Valery Gergiev. In this video, the virtuoso pianist shows off his groovy, lighter side by teaming up with Russian cellist Borislav Stulev in excerpts from George Gershwin's Porgy and Bess.

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Le pianiste russe Denis Matsuev a fait sensation à Toronto la semaine dernière lorsqu'il a joué  le Concerto pour piano n^o 3de Rachmaninov avec l'Orchestre Mariinsky dirigé par le Maestro Valery Gergiev. Dans ce vidéoclip, le pianiste virtuose montre son côté fantaisiste en compagnie du violoncelliste russe Borislav Stulev dans des extraits de Porgy and Bess de George Gershwin.

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Anne Stevens

Gergiev Rehearses Tchaikovsky's Eugen Onegin at the Met / Gergiev répète Eugène Onéguine de Tchaïkovski au Met

This video shows Gergiev really in his element, conducting one of the greatest of Russian operas. In this short excerpt you will see him working with the Met Orchestra and singers Yelena Zaremba, Ramon Vargas, Dimitri Hvorostovsky and Renee Fleming. With the orchestra Gergiev works at getting beyond the notes and finding the expression Tchaikovsky had in mind. You will notice that Gergiev is not asking for what he wants but what Tchaikovsky marked in the score. Gergiev may appear to be a highly idiosyncratic musician but his ideas are nearly always based on what is written.

You will notice also that while Gergiev's incredibly busy schedule suggests he must be a man in a hurry, trying to do ten things at once, in fact he is very methodical and patient in his working methods.

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Ce vidéoclip démontre M. Gergiev en plein dans son élément; en train de diriger l’une des plus grands opéras russes. Dans ce court extrait, vous allez l’apercevoir répéter avec l’Orchestre du Met et les chanteurs Yelena Zaremba, Ramon Vargas, Dimitri Hvorostovsky et Renee Fleming. Avec l’orchestre, M. Gergiev cherche à lire au-delà des notes et à trouver l’expressivité que Tchaïkovski avait en tête. Vous remarquerez que M. Gergiev ne demande pas de l’orchestre ce qu’il veut, mais plutôt ce que Tchaïkovski a écrit dans la partition. M. Gergiev peut sembler être un musicien très idiosyncrasique, mais ses idées sont presque toujours basées sur ce qui est écrit.    

Vous remarquerez aussi que l’horaire fort chargé de M. Gergiev suggère qu’il doit être un homme très pressé, cherchant à faire trop de choses en même temps. En réalité, il est très méthodique et patient dans sa façon de travailler. 

- Paul Robinson; Traduction par Robert Scott

Gergiev Conducts La Mer / Gergiev dirige La Mer

There is no busier conductor in the world today than Valery Gergiev. In the past few weeks he has been touring North America with his Mariinsky Theatre Orchestra from St. Petersburg. There were concerts in Toronto, Montreal and Ottawa but even bigger events in New York and Washington. Gergiev brought virtually his entire opera company from Russia to perform gigantic works such as Berlioz' Les Troyens and Prokofiev's War and Peace, plus several lesser-known Russian operas. He also found time to conduct performances of Shostakovich's opera The Nose at the Metropolitan Opera in the same period.

One of Gergiev's other jobs is chief conductor of the London Symphony. With that ensemble he has been recording a Mahler cycle, a Shostakovich cycle and a Prokofiev cycle. No wonder Gergiev is often criticized for spreading himself too thin. How can one man conduct so much music and give so many performances? Not surprisingly, some of these performances are less than perfect, to say the least. However, one must admit that on most nights Gergiev is incredibly exciting and charismatic. Watch this video from March, 2007. Gergiev conducts the London Symphony in the final part of Debussy's La Mer. He has the score in front of him but he hardly looks at it. Clearly, he is very well-prepared and the look in his eyes is enough to galvanize everyone in the orchestra.

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Difficile de trouver un chef d’orchestre à l’agenda aussi rempli que Valery Gergiev. En effet, il a passé ces dernières semaines en tournée nord-américaine avec son Orchestre du théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg. Ils ont fait escale à Toronto, Montréal et Ottawa, mais des engagements encore plus imposants les attendaient à New York et à Washington. Gergiev a amené quasiment toute sa troupe d’opéra de Russie pour produire des oeuvres aussi gigantesques que Les Troyens de Berlioz ou Guerre et paix de Prokofiev, en plus de certains opéras russes moins connus. Il a également trouvé le temps de diriger des performances de l’opéra de Chostakovitch, Le nez, au Metropolitan Opera pendant la même période.   

Gergiev est également le chef attitré du London Symphony, avec lequel il est en train d’enregistrer des cycles Mahler, Chostakovitch et Prokofiev. Pas étonnant qu’on l’accuse d’en faire trop! Comment est-il possible de produire autant de musique et de donner tant de représentations? S’il n’est pas toujours au meilleur de sa forme, la plupart du temps il réussit à susciter l’enthousiasme de ses auditoires avec son charisme. Regardez ce vidéoclip datant de mars 2007. On y voit Gergiev en train de diriger le London Symphony dans la dernière partie de l’œuvre de Debussy, La Mer. La partition est ouverte devant ses yeux, mais il la regarde à peine. De toute évidence, il la connaît jusqu’au bout des doigts, et il sait galvaniser l’orchestre entier d’un seul regard. 



- Paul Robinson; Traduction par Anne Stevens

Dmitri and Sondra sing duet from Il Trovatore / Dimitri et Sondra interprètent un duo extrait d’Il Trovatore

This week, the big new for vocal fans in Toronto is the appearance of Dmitri Hvorostovsky and Sondra Radvanovsky in a concert at Roy Thomson Hall. They will perform with the Orchestre de la Francophonie, under the baton of Constantine Orbelian, a frequent collaborator of baritone. They have recorded many CDs on the Delos label.  Jean-Philippe Tremblay, the orchestra’s music director, will conduct orchestral selections from operas by Verdi, Puccini and Mascagni.  Hvorostovsky and Radvanovsky had previously performed together in Russia.  The Toronto concert marks the start of a North American tour that takes the artists to Montreal’s Place des Arts March 26,  Washington’s Kennedy Center March 29, and New York’s Carnegie Hall April 1. For a little teaser of this concert this Saturday, here is a video clip of a concert they gave in Moscow in 2008. This is a duet with Conte di Luna and Leonora, "Mira, d'acerbe lagrima" from Act Four of Il Trovatore.  The timbre of Radvanovsky is bright and vibrant, her rhythm and phrasing incisive and exciting. This duet follows a very vocally taxing "D'amor sul'alli rose", with plenty of exquisite high pianissimos. Then the Leonora has to shift gears and sing full throttle in this duet. In this live performance, Radvanovsky soared to a high C sharp in the duet, a note not too many sopranos singing Leonora dare attempt!  And of course Hvorostovsky's robust, virile baritone sounds fabulous, as usual.

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Cette semaine, la grande nouvelle pour les amateurs de chant à Toronto est la venue de Dimitri Hvorostovsky et Sondra Radvanovsky en concert au Roy Thomson Hall. Ils chanteront avec l’Orchestre de la francophonie, sous la direction de Constantine Orbelian, un collaborateur fréquent du baryton. Ils ont enregistré plusieurs CD sous l’étiquette de disques Delos. Jean-Philippe Tremblay, le directeur musical de l’orchestre, dirigera des oeuvres orchestrales des opéras de Verdi, Puccini et Mascagni. M. Hvorostovsky et Mme Radvanovsky ont chanté ensemble auparavant en Russie. Le concert à Toronto lance une tournée nord-américaine qui les amènera à la Place des Arts à Montréal le 26 mars, au Kennedy Center à Washington le 29 mars et au Carnegie Hall à New York le 1^er avril. Pour un aperçu de leur concert ce samedi, voici un vidéoclip d’un concert qu’ils ont donné à Moscou en 2008. Ils chantent le duo du Comte di Luna et de Leonora,  Mira, d’acerbe lagrima du quatrième acte d’Il Trovatore. Le timbre de la voix de Mme Radvanovsky est éclatant et vibrant, son rythme est pénétrant et son expression est excitante. Ce duo suit D’amor sul’alli rose, une aria très difficile du point de vue vocal, avec plusieurs pianissimos exquis. Ensuite, dans ce duo, Leonora doit changer de registre et chanter à pleins poumons. Dans cette prestation sur scène, la voix de Mme Radvanovsky atteint le do dièse, une note dont peu de chanteuses qui interprètent Leonora osent essayer! Et bien sûr, le baryton robuste et viril de M. Hvorostovsky est fabuleux, comme d’habitude.

- Joseph K. So

Steve Reich Directing Bang on a Can / Steve Reich dirige « Bang on a Can »

A pioneer of minimalism, composer Steve Reich has not only won a Pulitzer Prize but has also changed the course of modern music. In this exclusive video, Reich directs the Bang on a Can ensemble (BOAC), one of the worlds most well known new music ensembles toward the limits of musical imagination. Here they detangle complex rhythmic phase patterns which extrapolate on simultaneous mixed tempi in a work titled 2x5. Alluding to a rock palate with it instrumentation of electric guitars, bass guitars, and drum sets, the BOAC settles into a groove that easily makes this one of Reich's most rhythmically vibrant pieces.

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Le compositeur Steve Reich, un pionnier du minimalisme, a remporté un prix Pulitzer en reconnaissance de son influence sur l'évolution de la musique moderne. Dans ce vidéoclip exclusif, Reich dirige l'ensemble Bang on a Can (BOAC), l'un des groupes musicaux les plus connus du monde qui se situe aux frontières de l'imagination musicale. Ici, il démêle des schémas rythmiques complexes qui se développent sur des tempi mélangés dans une œuvre intitulée «2x5 ». Évoquant la musique rock avec son instrumentation qui fait appel à des guitares électriques, des basses et des batteries, le BOAC crée une sonorité digne d'une des œuvres de Reich les plus vivantes sur le plan rythmique. 

- Michael Vincent; Traduction par Anne Stevens

Three Romances / Trois romances

This video shows pianist Hélène Grimaud and the principal oboist with the Berlin Philharmonic Orchestra, Albrecht Mayer, playing Schumann's Three Romances for oboe and piano, Op. 94. The pieces are included as bonus tracks in Grimaud's 2006 CD, Reflection, which looks at the close personal and musical relationship between Schumann, his wife Clara and friend Johannes Brahms.

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Ce vidéoclip montre la pianiste Hélène Grimaud et le premier hautbois de l'Orchestre philharmonique de Berlin, Albrecht Mayer, en train de jouer les trois Romances pour hautbois et piano op. 94 de Schumann. Ces pièces ont été ajoutées en prime au CD réalisé par M^me Grimaud en 2006 sous le titre « Reflections », un regard sur les liens étroits de nature personnelle et musicale qui existaient entre Schumann, sa femme Clara et leur ami Johannes Brahms. 

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Anne Stevens

Julian Bream and Django Reinhardt / Julian Bream et Django Reinhardt

One of the best DVDs I have ever come across is Julian Bream: My Life in Music. The great guitarist talks about his life and career and plays many of the pieces associated with him. He was an incomparable performer both on guitar and lute and remains a compelling raconteur. In one of the most memorable episodes in the DVD he talks about hearing the recordings of Django Reinhardt for the first time and how that experience changed him. This clip also includes a very rare film clip of Django himself. It is well-known that Django injured his hand in a fire and only had the use of two fingers on his left hand. We tend to forget about that fact when we listen to his audio recordings, but to actually see what he could do with those two fingers is astonishing.

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L'un des meilleurs DVD que j'aie jamais vus s'intitule Julian Bream: My Life in Music. Le grand guitariste y raconte sa vie et sa carrière et joue plusieurs des oeuvres pour lesquelles il est connu. Ce musicien incomparable était un virtuose de la guitare et du luth, et il savait aussi tenir son auditoire en haleine avec ses anecdotes. Une des parties les plus émouvantes du DVD, c'est quand il parle de la première fois qu’il a écouté les enregistrements de Django Reinhardt et de la profonde impression qu'ils lui ont faite. Cet épisode comprend également une séquence très rare qui montre Django lui-même. On se souviendra qu'il s'était blessé la main gauche dans un incendie et qu'il n'avait l'usage que de deux doigts. On a tendance à oublier cela quand on écoute ses disques, et c'est donc fascinant de voir ce qu’il pouvait faire avec ces deux doigts.

- Paul E. Robinson; Traduction par Anne Stevens

Furtwaengler Conducts Brahms

Last week we featured a Beethoven video with Toscanini conducting. While Toscanini was alive he was often contrasted with Wilhelm Furtwaengler, the long-time conductor of the Berlin Philharmonic. Toscanini was usually depicted as the 'literalist', the conductor who treated the printed score as sacred. Furtwaengler, on the other hand, was said to be a conductor who made music through a kind of mystical communion with the composer which allowed him to treat the score with the utmost freedom. Neither of these characterizations is really true at all; Toscanini could be 'free' and Furtwaengler could be 'strict.' But both conductors had the power to inspire musicians to give great performances and that is why we continue to treasure their recordings today.

Relatively few examples survive which show Furtwaengler in action. Here is one of the most memorable. The occasion was a concert in London with the Berlin Philharmonic in 1948. This video is a rehearsal and shows how incomparable Furtwaengler was in creating cumulative excitement in the final variations in the last movement of Brahms Fourth Symphony.

- Paul E. Robinson

Nathan Gunn as Papageno at the Met in HD Magic Flute / Nathan Gunn est Papageno dans la Flûte magique en HD au Met

The big news for Toronto opera fans this week is the first appearance of American baritone Nathan Gunn, in town on Wednesday, March 10 8 pm at Roy Thomson Hall as part of its Vocal Series. Mr. Gunn is the archetypal "bari-hunk", a term invented some years ago by person unknown to describe baritones who are as pleasing to the eye as to the ear. There is a long tradition of singers of this ilk, from Lawrence Tibbett in the 1930's to Sherrill Milnes in the 1970's - hunky baritones with great voices. But there seems to be many more of them today, undoubtedly a reflection of the public favoring singers who look good on stage. In addition to Nathan Gunn, baritone poster boys today include the New Zealander Teddy Tahu Rhodes, Italian Luca Pisaroni, Uruguayan Erwin Schrott, American Jason Hardy, and Canada's own Dan Okulitch. There are many more, but these ones come to mind readily. They all have beautiful voices and are convincing actors on stage. With Mr. Gunn in town for a recital at Roy Thomson Hall, we'll get to judge for ourselves. I first heard him thirteen years ago, as Orestes in the famous Francesca Zambello production of Iphigenie en Tauride in Glimmerglass, arguably the show that propelled him to fame. His virile baritone is still in excellent shape these days. On the Toronto recital program are songs by Schubert, Charles Ives and American spirituals, accompanied by his wife Julie Gunn. Here is a clip of Gunn as Papageno in the English language Magic Flute from the Met, show three years ago. 

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Excellente nouvelle pour les amateurs d'opéra de Toronto cette semaine, la première apparition du baryton américain Nathan Gunn, qui se trouvait, mercredi 10 mars à 20 h, au Roy Thomson Hall dans le cadre d’une série vocale. M. Gunn est aussi agréable à regarder qu'à écouter. Il est le digne héritier d'une longue tradition qui a cours depuis Lawrence Tibbett dans les années 1930 jusqu'à Sherrill Milnes dans les années 1970 : des barytons admirables qui sont de beaux hommes. On dirait qu’ils sont plus nombreux que jamais ces jours-ci, peut-être le résultat de la faveur du public pour les chanteurs qui ont un physique agréable. En plus de Nathan Gunn, le palmarès des beaux barytons comprend le Néo-Zélandais Teddy Tahu Rhodes, l'Italien Luca Pisaroni, l'Uruguayen Erwin Schrott, l'Américain Jason Hardy et le Canadien Dan Okulitch. Ce ne sont que quelques exemples parmi d’autres. Ils ont tous des voix magnifiques et sont de bons acteurs sur la scène. Nous en jugerons par nous-mêmes lors du récital de M. Gunn. Je l'ai vu pour la première fois il y a 13 ans, quand il jouait le rôle d'Oreste dans la célèbre production que Francesca Zambello a réalisée d’Iphigénie en Tauride pour Glimmerglass, à laquelle il doit probablement sa notoriété. Sa voix virile est en pleine forme, et au programme de son récital à Toronto on compte des œuvres de Schubert et de Charles Ives ainsi que des spirituals. Il sera accompagné de sa femme, Julie Gunn. Voici un vidéoclip qui le montre dans le rôle de Papageno, dans une production en anglais de la Flûte magique au Met il y a trois ans.

- Joseph K. So; Traduction par Anne Stevens

Nico Muhly's Clear Music / La musique claire de Nico Muhly

Muhly writes, “Clear Music is an extended exploration of a single measure in John Taverner’s (1490-1545) motet Mater Christi Sanctissima. I have structured the piece into a series of peaks featuring the highest registers of the treble voice – here, the cello. I remember very vividly performing this piece and being struck by how distant the treble was from the other voices – sometimes, there are spaces of over an octave between the treble and the alto – and I attempted to recreate the somewhat terrifying and exposed contours of these lines. The end result is, I hope, a prolonged and transparent recollection of the Taverner which exposes not only my appreciation for the music itself but also my response to performing it.”

Musicians: Corey Bertelsen, Vibraphone, Michelle Kim, Cello, and Ben Melsky, Harp.

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Comme l'a écrit Muhly lui-même, « Clear Music est une longue exploration d'une seule mesure d’un motet de John Taverner (1490-1545), Mater Christi Sanctissima. J'ai structuré cette pièce pour former une série de crêtes jouées l’aigu, dans le cas présent le violoncelle. J'ai un souvenir très vif du moment où je jouais cette pièce et comme j'étais frappé par la distance entre l’aigu et les autres voix – jusqu'à une octave entre l'aigu et l’alto. J'ai essayé de recréer les contours de ces lignes dérangeantes. Le résultat final est, espérons-le, un souvenir prolongé et transparent de la musique de Taverner qui montre non seulement mon amour pour la musique elle-même mais également ma réaction quand je la joue. »
Musiciens: Corey Bertelsen, vibraphone, Michelle Kim, violoncelle, et Ben Melsky, harpe.

- Michael Vincent; Traduction par Anne Stevens

Emerson in Mendelssohn's Octet / Emerson et l'Octuor de Mendelssohn

In this two-part documentary, you get to see how the Emerson String Quartet — violinists Eugene Drucker and Philip Setzer, violist Lawrence Dutton, and cellist David Finckel — recorded Mendelssohn's Octet in E-flat Major, Op. 20 without a second set of players. As in they first recorded themselves and then re-recorded themselves in layers.

This piece of work is part of the New York City-based ensemble's 2005 album, Mendelssohn: The Complete String Quartets, which won two Grammys, including Best Chamber Music Performance and Best Engineered Album for producer Da-Hong Seetoo.

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Dans ce documentaire en deux parties, on voit le quatuor à cordes Emerson, composé des violonistes Eugene Drucker et Philip Setzer, de l'altiste Lawrence Dutton et du violoncelliste David Finckel, en train d'enregistrer à eux seuls l’Octuor en mi bémol majeur op. 20 de Mendelssohn. En fait, on les a enregistrés deux fois, puis on a superposé les deux enregistrements.

Cette performance se retrouve dans un album réalisé en 2005 par cet ensemble new-yorkais sous le titre Mendelssohn: The Complete String Quartets. Il a gagné deux prix Grammy, celui de la meilleure performance de musique de chambre et celui de la meilleure direction technique pour le producteur Da-Hong Seetoo.

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Anne Stevens

Toscanini in His Own Words / Toscanini sur Toscanini

This is an excerpt from a recent documentary by Larry Weinstein. It is based on audio tapes made by Toscanini's son Walter during Toscanini's retirement years in New York. While actors play the parts of Toscanini, his family and friends the content is compelling enough to make this a fascinating contribution to our understanding of the great conductor. The documentary also includes lots of home movie footage of Toscanini. All in all, this material illuminates the softer side of a man famous for the intensity of his conducting and for his temper tantrums when things didn't go his way.

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Voici un extrait d'un documentaire récent de Larry Weinstein, réalisé à partir de bandes audio que le fils de Toscanini, Walter, avait faites à New York alors que le grand chef d’orchestre avait pris sa retraite. Même si les rôles de Toscanini et de ses proches sont joués par des acteurs, le contenu audio est passionnant et nous aide à mieux le comprendre. Le documentaire contient également de nombreuses séquences de films amateurs. Tout cela nous fait voir le côté plus humain de ce chef connu pour l'intensité de son art… et pour ses accès de colère quand on ne faisait exactement ce qu’il voulait.

- Paul E. Robinson

Toscanini Conducts Beethoven / Toscanini dirige Beethoven

Toscanini was 85 years old when this telecast was made March 22, 1952. He died in 1957. For many people he is the greatest conductor who ever lived. NBC created an orchestra especially for him to conduct: the NBC Symphony. It was a superb orchestra and together they made many fine recordings including all nine Beethoven symphonies. The criticism is often made that Toscanini "took everything too fast". But the facts don't bear this out. Here is a case in point: the last movement from the Beethoven Fifth. The tempo is moderate and there is never a feeling that the music is being rushed.

Several things can be learned from the video. First, the way Toscanini preferred to set up his orchestra, with first violins to his left, second violins to his right and double basses at the back on the left. You will also notice that there are four flutes in the orchestra even though Beethoven only requires two plus a piccolo. Like most conductors of his generation, Toscanini doubled the winds in order to balance a large string section. And the large string section was needed to produce enough sound in large modern concert halls. Toscanini was known for his fidelity to the score but he was very much a practical musician too.

You will also see that even at 85 Toscanini conducted with tremendous intensity. He is strictly business in his gestures, rarely giving cues but he never rests for a moment. He is clearly 'in the music' at all times. Many musicians who played under him spoke about this special quality he had, and said that it was this concentration and commitment that inspired them to give of their best.

For more on Toscanini, read the authoritative biography by Canadian writer-conductor Harvey Sachs. Sachs has also edited a collection of Toscanini letters. The letters reveal a man of perhaps surprising literary sensibility. They also reveal the other women in his life.

In tomorrow's video we'll bring you an excerpt from a recent documentary about Toscanini based on audio tapes made by his son.

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Toscanini avait 85 ans au moment où ce concert était télédiffusé, le 22 mars 1952. Il est décédé  en 1957. D'aucuns affirment qu'il est le plus grand chef d'orchestre de tous les temps. Le réseau NBC avait d'ailleurs créé un orchestre juste pour lui : le NBC Symphony. C'était une splendide formation, et avec Toscanini à sa tête, il a réalisé de nombreux enregistrements magnifiques, parmi lesquels les neuf symphonies de Beethoven. Les critiques trouvaient souvent que Toscanini adoptait des tempi trop rapides, mais la réalité dément cette réputation. En voici la preuve : le dernier mouvement de la Cinquième de Beethoven. Le tempo est modéré, et on n'a jamais l'impression que l'œuvre est jouée de façon précipitée.  

Ce vidéoclip nous enseigne plusieurs choses. En premier lieu, Toscanini disposait ses musiciens d'une façon particulière : les premiers violons à gauche, les seconds à droite, les contrebasses à l'arrière gauche. On remarque également qu'il y a quatre flûtes bien que Beethoven n'en ait prévu que deux accompagnées d’un piccolo. À l'instar de la plupart des chefs d'orchestre de sa génération, Toscanini doublait la section des vents afin d'équilibrer celle des cordes, très nombreuse. En effet, il fallait beaucoup de cordes pour produire une puissance de son capable de remplir une salle de concert moderne. Toscanini était connu pour sa fidélité à la partition, mais il avait également le sens pratique.

Vous verrez que même à  l'âge de 85 ans, Toscanini dirigeait son orchestre avec fougue. Il ne fait pas de gestes inutiles, il ne donne que de rares signaux, mais il ne relâche jamais sa concentration. De toute évidence, il est habité par la musique. Beaucoup de musiciens qui l'ont connu ont parlé de cette qualité spéciale en disant que c'était cette concentration et cette intensité qui les avaient inspirés à donner de leur meilleur.  

Pour en savoir plus sur Toscanini, lisez la biographie définitive que lui a consacrée l'auteur et chef d'orchestre canadien Harvey Sachs. Ce dernier a également publié un recueil de lettres de Toscanini qui révèlent une sensibilité littéraire très aiguë et font découvrir les « autres » femmes dans sa vie.  

Dans le prochain vidéoclip, nous vous présenterons un extrait d’un documentaire récent sur Toscanini qui a été réalisé à partir de bandes audio faites par son fils.

- Paul E. Robinson

Two Songs to commemorate Frederic Chopin's 200th Anniversary / Deux chansons pour célébrer le 200e anniversaire de Frédéric Chopin

On Monday March 1, the world celebrated Frederic Chopin's 200th anniversary of his birth.  There is some dispute as to his exact birthday, which is listed as Feb.22 in church records. However, in the composer's personal correspondences, he referred to the date of March 1.  Chopin is primarily known for his wondrous piano pieces, but he also wrote many beautiful songs. The best known, a group of nineteen, is op. 74. I am very fond of the recording with Polish soprano Teresa Zylis-Gara in the Polish label MUSA, but it is long out of print and also not on Youtube. There is also a 1977 recording with Turkish soprano Leyla Gencer, whose mother is Polish. Here I have chosen two sung by Polish contralto Ewa Podles, with pianist Garrick Ohlsson, recorded in 2003. The first song is No. 1, Zyczenie (The Wish), and the second is No. 12, Moja pieszczotka (My Beloved), two of the loveliest in the cycle. Podles' dark contralto gives it a very different flavour, and she sings the songs operatically, with marvelous expression and imagination. All 19 songs are on Youtube so do give the rest a listen!

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Lundi le 1^er mars, partout dans le monde entier, on a fêté le 200^e anniversaire de Frédéric Chopin. On ne connaît pas la date exacte de sa naissance : alors que son baptistère indique le 22 février, le compositeur lui-même dans sa correspondance indiquait que c'était le 1^er mars. Le nom de Chopin est surtout associé à son génie pour le piano, mais il a également produit de nombreuses mélodies superbes. Les plus connues, regroupées en un cycle de 19 chansons, sont celles de l'op. 74. J'aime beaucoup l'enregistrement qu’en a réalisé la soprano polonaise Teresa Zylis-Gara sous l'étiquette polonaise MUSA, mais il est épuisé depuis longtemps et on ne le trouve pas sur YouTube. Il existe également un enregistrement de 1977 avec la soprano turque Leyla Gencer, dont la mère est polonaise. Mais j'ai choisi ici deux mélodies chantées par la contralto Ewa Podles accompagnée au piano par Garrick Ohlsson, un enregistrement réalisé en 2003. La première est la mélodie n^o 1, Zyczenie (le souhait) et la deuxième, la n^o 12, Moja pieszczotka (mon amour); ce sont les plus jolies du cycle. La voix sombre de Podles leur confrère une tonalité très particulière, et elle chante de façon lyrique avec beaucoup d'expressivité et d'imagination. Ces 19 mélodies se trouvent sur YouTube : profitez-en pour les écouter toutes ! 

- Joseph K. So; Traduction par Anne Stevens

Céleste Boursier-Mougenot's The Curve / La courbe de Céleste Boursier-Mougenot

French artist Céleste Boursier-Mougenot creates works by drawing on the rhythms of daily life to produce sound in unexpected ways. For his installation in The Curve, Boursier-Mougenot creates a walk-though aviary for a flock of zebra finches, furnished with electric guitars and other musical instruments. As the birds go about their routine activities, perching on or feeding from the various pieces of equipment, they create a captivating, live soundscape.

www.barbican.org.uk/thecurve/blog/index.html

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L'artiste française Céleste Boursier-Mougenot crée ses œuvres à partir des rythmes de la vie quotidienne afin de produire des sons de façon inattendue. Pour son installation dans « La courbe », elle a créé une immense volière remplie de pinsons mandarins, de guitares électriques et d'autres instruments. Les oiseaux volètent d'un instrument à l'autre pour se percher ou pour picorer, créant par leurs mouvements un paysage sonore captivant.

www.barbican.org.uk/thecurve/blog/index.html

-  Michael Vincent; Traduction par Anne Stevens

The Trout Documentary / Documentaire de La Truite

In this historical rehearsal and performance of Schubert's Piano Quintet in A major, The Trout, the late cellist Jacqueline Du Pré was 24 years old. The date was Aug. 30, 1969, at the then new Queen Elizabeth Hall in London. The other players were pianist Daniel Barenboim, violinist Itzhak Perlman, violist Pinchas Zukerman, and double bassist Zubin Mehta.

The documentary film by Christopher Nupen is divided into six videos here, running just under one hour.

A link to all the videos can be found here.

The first out of six videos can be watched above in this post.

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Dans cette performance historique du Quintette avec piano en la majeur « La Truite » de Schubert, la regrettée violoncelliste Jacqueline du Pré n’avait que 24 ans. Nous sommes le 30 août 1969, au Queen Elizabeth Hall de Londres, qui venait d’être inauguré. Les autres musiciens sont Daniel Barenboim au piano, le violoniste Itzhak Perlman, l’altiste Pinchas Zukerman et Zubin Mehta à la contrebasse.

Ce documentaire de Christopher Nupen est divisé en six segments de moins d’une heure. 

Regardez tous les vidéos ici.   

Vous trouverez le premier ci-dessus.

- L.H. Tiffany Hsieh; Traduction par Anne Stevens